Filmscoop blog

Recensione ACAB - ALL COPS ARE BASTARDS

2012-01-27T15:44:00.000+01:00

Recensione acab - all cops are bastards

Regia di Stefano Sollima con Pierfrancesco Favino, Marco Giallini, Filippo Nigro, Domenico Diele, Andrea Sartoretti

Recensione a cura di peucezia

Acronimo di ALL COPS ARE BASTARDS, espressione mutuata dal gruppo inglese anni ottanta skinhead The 4-skins, il film di Stefano Sollima (sua la fiction tratta dal film Romanzo Criminale), si ispira al romanzo di Carlo Bonini, giornalista di Repubblica.

Protagonisti a tutto tondo un gruppo di celerini romani, poliziotti estremi, vittime e carnefici di un mondo cupo e violento che sembra non avere spiragli di bontà.

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Recensione IN CERCA DI AMY

2012-01-26T13:10:00.000+01:00

Recensione in cerca di amy

Regia di Kevin Smith con Ben Affleck, Joey Lauren Adams, Jason Lee, Kevin Smith, Matt Damon

Recensione a cura di foxycleo (voto: 7,0)

Tutti siamo in cerca di Amy. Ognuno di noi si è invaghito o innamorato una volta nella vita in maniera profonda, passionale, trascinante. Spesso, se non sempre, si rimane delusi da tali esperienze, per svariati motivi che è inutile elencare, perché nel film di Kevin Smith si vuole semplicemente far coincidere l'immagine ideale della suddetta persona, che si era creata nella nostra mente e aveva invaso il nostro cuore, con l'immagine reale, quindi piena di difetti e di dubbi, come qualsiasi persona reale si ritrova a essere.

La vita, al di là dal lavoro, dalla famiglia d'origine, dallo sport e dagli hobby vari è in cerca di Amy.

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Recensione THE HELP

2012-01-25T15:25:00.000+01:00

Recensione the help

Regia di Tate Taylor con Emma Stone, Bryce Dallas Howard, Mike Vogel, Sissy Spacek, Allison Janney, Jessica Chastain, Ahna O'Reilly, Viola Davis, Chris Lowell, Anna Camp, Octavia Spencer, Aunjanue Ellis, Cicely Tyson, Dana Ivey, Brian Kerwin

Recensione a cura di pompiere (voto: 6,0)

Una moltitudine di raggi solari rischiara la città di Jackson, Mississippi.
Una speranza di solidarietà che cerca in tutti i modi di conciliarsi con il feroce razzismo dell'inizio degli anni '60. E' un desiderio invocato da un gran numero di donne, quasi tutte afroamericane, le quali prestano servizio domestico presso le famiglie più facoltose dei bianchi. Il loro tran tran quotidiano è scosso proprio da una donna bianca, giovane, fresca di due lauree e intraprendente.
Il suo nome è Eugenia Skeeter (Emma Stone) la quale, tanto per introdursi nell'ambiente redazionale, si è appena fatta assumere come scribacchina per una rubrica giornalistica locale di poco interesse. In realtà il sogno è quello di diventare scrittrice, magari affrontando qualche tema rilevante. L'occasione è sotto ai suoi occhi; da qui ha inizio una segreta collaborazione con Aibileen (Viola Davis) e la sua amica Minny (Octavia Spencer, fresca vincitrice del Golden Globe come Miglior Attrice non Protagonista), due delle colf più gettonate ed esperte.

Tratto dall'omonimo primo romanzo di Kathryn Stockett, scritto con intenti quasi autobiografici, il film accosta allo spirito solidale delle collaboratrici familiari nere, che oltre a far da mangiare e a pulire accudiscono la prole altrui, le mortificazioni attuate dalle signore bene della comunità bianca.
Da non perdere l'aderenza ai personaggi delle immature Hilly (Bryce Dallas Howard, la Perfidia in persona) e Celia (Jessica Chastain), con Sissy Spacek in un ruolo di matrona ubriaca dallo sguardo lungimirante, le quali si muovono tutte in un'ambientazione pressoché perfetta costituita da dimore curate, abiti cuciti mirando alla perfezione e serate di finta beneficenza/benevolenza.

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Recensione NON APRITE QUEL CANCELLO

2012-01-24T10:58:00.001+01:00

Recensione non aprite quel cancello

Regia di Tibor Takács con Stephen Dorff, Louis Tripp, Christa Denton, Kelly Rowan, Jennifer Irwin

Recensione a cura di Giordano Biagio

"C'è un passaggio tra il nostro mondo di luce e di gioia e il loro mondo di follia e di dolore. Una porta dietro la quale i demoni attendono il momento di riprendere quello che appartiene loro".
Dalla "Bibbia del diavolo"

Il giovane Glen (Stephen Dorff) diventa amico di un ragazzo, Terry (Louis Tripp), vicino di casa, interessato alla musica rock e accanito lettore di libri sulla magia e i demoni della storia delle religioni tra i quali, nell'ambito delle opposizioni al cristianesimo, spicca la "Bibbia del diavolo".
Una notte Glen fa un sogno-incubo che risulterà vero in numerosi suoi dettagli: ha la visione di un fulmine che sradica un grosso albero nel suo cortile, lasciando sul terreno un largo buco. Dopo il reale e drammatico evento onirico del ragazzo, Glen e Terry rimangono coinvolti in paurosi eventi, dalle frequenze quotidiane, che creano situazioni dal tono emotivo incredibile.

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Recensione DEL PERDUTO AMORE

2012-01-23T16:23:00.001+01:00

Recensione del perduto amore

Regia di Michele Placido con Giovanna Mezzogiorno, Fabrizio Bentivoglio, Rocco Papaleo, Enrico Lo Verso

Recensione a cura di peucezia

Un sacerdote di mezz'età durante la celebrazione ha un'epifania ("improvvisa percezione della realtà o del significato di qualcosa, originato in genere da una semplice, comune situazione o ricorrenza") che lo riporta al passato: rivediamo in flashback il protagonista quattordicenne nel suo paese natio tra Puglia e Basilicata all'epoca delle manifestazioni bracciantili.

Michele Placido, regista e sceneggiatore della pellicola (suo il cameo iniziale del protagonista adulto e prete), confeziona una ricostruzione impeccabile del periodo storico in cui è ambientato il film (la fine degli anni Cinquanta), coadiuvato da altri attori locali quali Rocco Papaleo e Sergio Rubini e regalando a Giovanna Mezzogiorno un ruolo da protagonista a tutto tondo.

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Recensione ELEPHANT

2012-01-20T16:57:00.000+01:00

Recensione elephant

Regia di Gus Van Sant con John Robinson, Timothy Bottoms, Matt Malloy, Eric Deulen, Alex Frost, Elias McConnell

Recensione a cura di pompiere (voto: 10,0)

I genitori non hanno più il controllo. Sbandano anche quando la strada è diritta. Vuoti e sfocati, come i corridoi scolastici percorsi dalla loro prole.
L'assenza è così palese che sono loro ad essere al servizio dei figli, quei discendenti altrettanto disorientati, costretti ad amministrare le "virtù" loro malgrado. Questi ragazzi tirano su col naso e camminano solitari con in mano fucili e bombe.
Come siamo arrivati a tutto questo? Bisogna sbrigarsi a trovare una risposta: le nubi si muovono in fretta, e si fa presto ad oscurare un cielo limpido con nembi grigio scuro, a passare dal giorno alla notte...

Suddiviso in capitoli che portano il nome dei ragazzi protagonisti, "Elephant" è un ritratto adolescenziale scritto, montato e diretto da Gus Van Sant, regista esperto delle problematiche di giovani che si avvicinano all'età adulta e alla vita in generale. Solamente ispirato alla tragedia nel liceo di Columbine, a Littleton, in Colorado, il 20 aprile del 1999, Van Sant si smarca abilmente dai fatti di cronaca cambiando i nomi dei veri studenti coinvolti e ambientando le riprese in un giorno chiaramente autunnale, prendendo in considerazione adolescenti crudeli ma bene inseriti, figli di una società benestante e tediata.
Tuttavia la capacità creativa dell'autore non si ferma a questa area esclusiva; non c'è mai, da parte del regista, l'intenzione di ancorarsi a una traccia calcolata. Con la macchina da presa sta addosso a questi giovani, li bracca alle spalle, li pedina frontalmente, li accompagna affiancandoli e spesso li lascia andare per un po', distanti, osservando da lontano le andature, i suoni dello scalpiccio. Ci fa percepire il clima umido che popolano, l'aria sudata di palestre e spogliatoi, le voci concitate di brevi partite a football, i suoni di un pianoforte o di una chitarra, le voci impilate di una mensa, la campanella che trilla come se scandisse un'ora d'orologio qualsiasi piuttosto che un comando. Compie lenti giri di valzer a corteggiare un'età fondamentale, nella quale non si può essere abbandonati.
Perché, oltre all'insegnamento scolastico, c'è anche quello civico e sentimentale, che non può ridursi a un dito infilato in bocca e a un sorriso provocante e scaltro.

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Recensione NON MANDARMI FIORI!

2012-01-19T17:20:00.001+01:00

Recensione non mandarmi fiori!

Regia di Norman Jewison con Rock Hudson, Doris Day, Tony Randall, Paul Lynde, Hal March

Recensione a cura di peucezia

Anni Sessanta: il discusso sex symbol Rock Hudson fino ad allora interprete di film di genere drammatico- sentimentale, giunto alla fatidica boa dei quarant'anni si ricicla nel genere commedia rosa accanto a una quasi coetanea fino ad allora definita "fidanzata d'America": la bionda Doris Day, vergine di ferro alla cui virtù attenta il playboy finendo inevitabilmente con l'impalmarla.

"Non mandarmi fiori", firmato da Norman Jewison, è il terzo film della premiata coppia.
Stavolta Hudson non è il solito dongiovanni incallito ma il marito fedele di Doris, affetto da ipocondria. Una diagnosi sbagliata gli fa pensare di essere in fin di vita dando la stura a una serie di equivoci senza fine.

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Recensione SHAME

2012-01-18T14:51:00.001+01:00

Recensione shame

Regia di Steve McQueen con Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Nicole Beharie, Hannah Ware, Elizabeth Masucci, Jake Richard Siciliano, Robert Montano, Anna Rose Hopkins, Alexandra Vino

Recensione a cura di pompiere (voto: 6,0)

I giovani rampanti di oggi, quelli sulla trentina o giù di lì, vestono bene, abitano lindi e scarni appartamenti, partecipano a estenuanti riunioni lavorative con la stessa aderenza degli istanti in cui si siedono sul water, e ovviamente fanno sesso. Tanto sesso. Meglio se in quel di New York: lì ti puoi confondere tra milioni di anime, cambiare partner più facilmente, trasgredire accoppiandoti vicino a zone di transito pubblico, chiuderti in bagno col fai-da-te.
Brandon (Michael Fassbender) è uno di questi. Onanistico ben oltre il significato comune del termine e ai limiti della patologia, vede di rado Sissy (Carey Mulligan, più brava di Fassbender anche se meno in scena), una sorella sensibile che soffre le vere pene d'amore; primitive, superate angosce sentimentali, stonate come un disco dance anni '80 che vibra nello stancante tedio del quotidiano. La mediocre consuetudine sbatte contro le note commosse ed emozionanti della voce di lei, in cerca di fortuna come cantante. La scena dell'esibizione, in un jazz club, di "New York, New York" è da brividi: sguardo febbrile, ritmo rallentato, sospiri per chi non c'è (e che prima c'era stato?), lacera come il suono intimista della tromba di Chet Baker.

Le occasioni per fare sesso non sono mai mancate. Forse oggi sono troppe e conducono a un po' di confusione. La carnalità è sempre esistita, pur essendosi evoluta/involuta nei suoi palesamenti. Così come le deviazioni e le ossessioni che la riguardano.
Il protagonista e la sorella provengono da un passato difficile. Lui sembra agire seguendo un impulso genuino che poi si immobilizza e resta muto, in una specie di autocontrollo sempiterno, attento a non uscire dai binari paralleli di rapporti mordi e fuggi.
Chissà qual è il "brutto posto" dal quale giungono citato in uno dei dialoghi più amari del film? Abbiamo pensato a qualcosa di incestuoso, viste le lacunose fasi dei quattro mesi amorosi di Brandon, i suoi evitamenti emotivi, il tono dei messaggi ricevuti in segreteria in apertura di film, e il pianto disperato durante la sentita interpretazione canora: che la vergogna del titolo sia proprio questa?

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Recensione CHI E' CCHIU' FELICE 'E ME!

2012-01-17T15:42:00.000+01:00

Recensione chi e' cchiu' felice 'e me!

Regia di Eduardo De Filippo con Valeria Moriconi, Gennarino Palumbo, Eduardo De Filippo, Enzo Cannavale, Nina De Padova

Recensione a cura di elio91 (voto: 8,0)

"Chi è cchiù felice 'e me" rappresenta un'altra tappa importante nella carriera teatrale di Eduardo De Filippo. Ambientata in campagna (una rarità per le commedie eduardiane, solitamente localizzate in città con esponenti di piccola o media borghesia) e lo scarto tra città e campagna rimane uno dei motivi centrali della commedia. Si fa inoltre sempre più chiara la presenza di un certo tipo di crudeltà verso i protagonisti, dello sberleffo che li coglie a partire sin dal titolo, che come vedremo non è solo il tormentone con cui il protagonista tenta di convincersi che tutto gli vada bene, ma anche l'amara constatazione della sua inesattezza.

Vincenzo è un piccolo possidente terriero a cui davvero si può dire non gli manchi nulla: ha una bellissima moglie laboriosa e previdente (come non mancano di notare gli amici gelosi), ha una bella casa, è agiato e non corre rischi. Ci tiene a confermarlo lui stesso agli amici, cui rifiuta il piacere di un affare perché troppo rischioso. In realtà lui si avvia solo verso la sicurezza, non vuole che gli manchi nulla e addirittura (in uno dei momenti più umoristici) confida ai compagni che perfino il rosolio da offrire agli ospiti è razionato secondo i giorni, per non creare disequilibrio nei conti di fine mese.
Se quindi inizialmente la previdenza di Vincenzo ce lo fa apparire come una persona normale come tante, si capisce dalla sua esagerazione che in verità così non è e la sua è una visione estremamente limitata e ottusamente borghese. Così come ignoranti e limitati sono i borghesi di campagna, i "compari" che lo vanno a trovare dopo un viaggio a Napoli. E' il momento in cui Eduardo illustra il contrasto città - campagna ma senza idealizzare quest'ultima come faceva Rousseau, bensì ponendola sotto una luce ambigua, ristretta, dove i villici fanno brutte figure a casa dei conoscenti cittadini, non conoscendo le usanze più comuni (l'acqua per lavarsi le mani a tavola è un occasione per fare brutta figura). Giunti alla fine del primo atto, che serve ad illustrare la sicurezza di Vincenzo e la devozione della bella moglie Margherita, Vincenzo continua a ripeterselo tra sé, come un mantra o una preghiera da recitare: "Noi stiamo bene, che ci può succedere a noi, non manchiamo di nulla". E nel momento esatto in cui la preghiera finisce non viene esaudita, anzi accade lo sconvolgimento interno e il ribaltamento della situazione: uno sconosciuto si introduce in casa di Vincenzo, lo obbliga ad aiutarlo perché inseguito dalla polizia dopo aver sparato ad un tale e Vincenzo, suo malgrado, lo nasconde in casa.
Finisce il primo atto in sospeso: sarà da questo momento in poi che la commedia acquista un significato ancora più sarcastico.

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Recensione NOTIZIE DEGLI SCAVI

2012-01-16T15:14:00.000+01:00

Recensione notizie degli scavi

Regia di Emidio Greco con Giuseppe Battiston, Ambra Angiolini, Giorgia Salari, Annapaola Vellaccio, Francesca Fava, Iaia Forte

Recensione a cura di peucezia

Roma, epoca imprecisata quasi sospesa nel tempo, in un appartamentino del centro vivono alcune strane ragazze: una misteriosa "signora" più vicina ai cinquanta che ai quaranta e un buffo omone factotum dai modi di fare decisamente "borderline" (Giuseppe Battiston insolitamente sbarbato e con l'aspetto di un pacioccone inquietante).

L'incipit di "Notizie degli scavi", film nato da un racconto di Lucentini dei primissimi anni Sessanta (e da qui l'aura di sospensione temporale di tutta la vicenda), regala un tono dimesso che il film manterrà per tutta la sua durata. Il protagonista maschile detto "il professore" (tutti i personaggi della storia hanno dei soprannomi e non sono noti per i loro nomi propri) si aggira per l'appartamentino e si dedica a sbrigare le faccende per le ragazze che abitano lì e che probabilmente esercitano la professione più antica del mondo, la signora stanca e accidiosa sovrintende e giudica beffarda.

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Recensione INDIANA JONES E L'ULTIMA CROCIATA

2012-01-13T15:53:00.001+01:00

Recensione indiana jones e l'ultima crociata

Regia di Steven Spielberg con Harrison Ford, Sean Connery, Denholm Elliott, Alison Doody, John Rhys-Davies, Julian Glover, River Phoenix, Michael Byrne, Kevork Malikyan, Robert Eddison

Recensione a cura di JackR

1913: un giovane boyscout (River Phoenix) sottrae ad un gruppo di predatori una preziosa reliquia, per portarla in un museo. L'impresa fallisce, di un soffio: è l'inizio di una leggenda. 1938: Indiana Jones (Harrison Ford) viene informato che suo padre (Sean Connery), con il quale non ha rapporti da anni, è scomparso durante la ricerca del Santo Graal, la leggendaria coppa da cui bevve Gesù durante l'Ultima Cena, argomento a cui aveva dedicato ossessivamente tutta la sua esistenza. Per ritrovarlo, Indiana Jones deve seguire le tracce del Santo Graal, che lo portano nuovamente ad incrociare il suo percorso con i Nazisti, anch'essi a caccia del prezioso manufatto. Stavolta, però, c'è bisogno di due Jones per venire a capo del mistero...

Per quasi vent'anni, "Indiana Jones e l'Ultima Crociata" è stato il capitolo conclusivo delle avventure di Indiana Jones. L'Ultima Crociata inizia con un lungo flashback sull'infanzia di Indy, svela e approfondisce il rapporto tra Indiana e suo padre, li lancia nella ricerca del Santo Graal e li lascia a cavalcare verso il tramonto. Il finale perfetto per la saga. Il recente quarto episodio, di cui più della qualità sarebbe da discutere la necessità, non ha soddisfatto nessuno (a parte George Lucas, troppo orgoglioso per ammettere errori) e adesso un quinto episodio è - questo sì - necessario, se non altro per restituire ad Indy il suo finale.

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Recensione INDIANA JONES E IL TEMPIO MALEDETTO

2012-01-12T16:34:00.000+01:00

Recensione indiana jones e il tempio maledetto

Regia di Steven Spielberg con Harrison Ford, Kate Capshaw, Amrish Puri, Jonathan Ke Quan, Roy Chiao, Philip Stone

Recensione a cura di JackR

1935: Indiana Jones (Harrison Ford) ed il suo piccolo aiutante Short Round (Ke Huy Quan), dopo una rocambolesca fuga dalla malavita cinese in forzata compagnia della cantante Willie Scott (Kate Capshaw), si ritrovano in un piccolo villaggio indiano, ridotto alla carestia dal furto della pietra magica che assicurava la prosperità alla zona. Il maharajah di Pankot ha sottratto la pietra al villaggio per costringere gli abitanti al culto di Kalì e ritenendo che la pietra sia una delle mistiche pietre di Sankara, in grado di assicurare "fortuna e gloria" ai suoi possessori.
Tutti i bambini del villaggio, inoltre, sono stati rapiti.
Indy, Short e una riluttante Willie acconsentono ad indagare e si recano al palazzo del maharajah, dove dietro una rispettabile facciata si nasconde un terribile segreto...

Il successo de "I Predatori dell'Arca Perduta" rese inevitabile il ritorno del professor Jones, le cui avventure George Lucas si era augurato di raccontare in almeno tre film. Nei progetti di Lucas, il secondo film, al pari de "L'Impero Colpisce Ancora", doveva essere una variazione su tinte cupe prima del lieto fine del terzo capitolo.

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Recensione I PREDATORI DELL'ARCA PERDUTA

2012-01-11T16:00:00.000+01:00

Recensione i predatori dell'arca perduta

Regia di Steven Spielberg con Harrison Ford, Karen Allen, Paul Freeman, Ronald Lacey, John Rhys-Davies, Alfred Molina, Denholm Elliott

Recensione a cura di JackR

1936: Il professor Henry Jones Jr. (Harrison Ford), detto Indiana, alterna la vita accademica ad avventurose spedizioni alla ricerca di preziosi reperti archeologici. Venuto a conoscenza delle sue imprese, il governo americano gli chiede aiuto: una spedizione archeologica guidata dai Nazisti è vicina a scoprire l'ubicazione dell'Arca dell'Alleanza, che conferirebbe al Reich poteri pressochè divini. La corsa contro il tempo per anticipare i Nazisti porta Indiana Jones attraverso diversi continenti e ad incrociare il proprio cammino con Marion Ravenwood (Karen Allen), un antico amore, e Belloq (Paul Freeman), il suo acerrimo rivale, che sta aiutando i tedeschi...

E' raro che il cinema americano mainstream produca un'idea originale. Più frequente è la rielaborazione di concetti già sfruttati, in una catena infinita di rimandi, citazioni, rielaborazioni e plagi. Non fa eccezione "I Predatori dell'Arca Perduta", che ha tanti padri putativi (basta confrontare il celeberrimo look di Indiana Jones con quello di Charlton Heston in "Il Segreto degli Inca") quanti figli più o meno legittimi (i suoi sequel innanzitutto). Rispetto al genere d'avventura, è però un momento decisivo della storia del cinema: innanzitutto, introduce uno dei personaggi di maggiore impatto mai creati, Indiana Jones, che diventerà l'unico punto di riferimento per tutti i film successivi del genere; in secondo luogo, segna l'inizio di una collaborazione - quella tra George Lucas e Steven Spielberg, all'epoca tra gli enfant prodige del cinema americano - destinata a durare decenni e a cambiare profondamente l'industria dell'entertainment.

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Recensione IMMATURI - IL VIAGGIO

2012-01-10T15:26:00.001+01:00

Recensione immaturi - il viaggio

Regia di Paolo Genovese con Raoul Bova, Ambra Angiolini, Ricky Memphis, Luca Bizzarri, Paolo Kessisoglu, Barbora Bobulova, Anita Caprioli, Luisa Ranieri, Maurizio Mattioli, Alessandro Tiberi, Giovanna Ralli, Lucia Ocone, Lavinia Longhi, Aurora Cossio

Recensione a cura di peucezia

Gigantesco spottone turistico dell'incantevole isola di Paros, protagonista a pieno titolo e inquadrata nei suoi angoli caratteristici "Immaturi - il viaggio", naturale continuazione di uno dei più grandi successi al botteghino della stagione 2010-2011, riprende con la realizzazione del sogno dei sette amiconi: un viaggio in Grecia tutti insieme.
Ormai maturi per la burocrazia scolastica, gli amici devono raggiungere la maturità più importante e che spesso non si raggiunge mai: quella della vita.

Ognuno dei protagonisti ha un fantasma da affrontare: le tentazioni che possono distruggere un legame serio e duraturo, la presenza ingombrante di genitori affettuosi e iperprotettivi, la scelta di iniziare un rapporto sentimentale non mascherato da bugie, la malattia da sconfiggere.

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Recensione FINALMENTE MAGGIORENNI

2012-01-09T16:20:00.000+01:00

Recensione finalmente maggiorenni

Regia di Ben Palmer con Simon Bird, James Buckley, Blake Harrison, Joe Thomas, Laura Haddock, Emily Head, Tamla Kari, Jessica Knappett, Lydia Rose Bewley, Theo James

Recensione a cura di pompiere (voto: 4,5)

Oxford o Bristol? Dopo il diploma la scelta si impone. Almeno per chi è un po' più secchione e abile di altri studenti. Jay, Will, Simon e Neil sono quattro ragazzi inglesi, appena usciti dal liceo con l'augurio del preside: "in bocca al lupo per la vita, e cercate di non uccidere nessuno". Per il momento nessuna Università all'orizzonte, il dilemma è rimandato; urge lo svezzamento sessuale, e l'idea è quella di partire tutti insieme per una vacanza all'insegna del disimpegno.

Goffi e fuori luogo, pianificano nella loro mente incontri animaleschi con ragazze belle e formose. Tanti buoni propositi e poca pratica, i giovanotti si distinguono soprattutto per il senso di inadeguatezza e un forte disagio esistenziale. La destinazione viene decisa da quello più ciarliero: si parte per il nord est dell'Isola di Creta, città di Malia, luogo tra i più frequentati dai turisti inglesi. E pazienza se uno dei quattro è stato appena scaricato dalla ragazza, tanto sull'isola continuerà a vederla ovunque.

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Recensione INDUSTRIAL SYMPHONY NO. 1

2012-01-09T16:11:00.000+01:00

Recensione industrial symphony no. 1

Regia di David Lynch con Laura Dern, Nicolas Cage, Julee Cruise

Recensione a cura di elio91 (voto: 7,5)

Le "sinfonie industriali" di David Lynch risalgono alla giovinezza del cineasta, quando non ancora regista dipingeva dipinti surreali chiamati appunto ""Industrial Symphony". Questo suo lavoro particolare datato 1989 (anno d'oro che coincide anche con il progetto per la tv "Twin Peaks") è una installazione artistica e musicale che nasce proprio dall'immaginario di Lynch e dalle musiche di Angelo Badalamenti.
I due vengono difatti chiamati dalla Brooklyn Academy of Music di New York, che produce annualmente un festival dedicato a performance di musica sperimentale, per creare qualcosa come apertura dell'anno musicale. Pur ricevendo l'invito, sia Lynch che il suo fido compositore di fiducia hanno appena due settimane per costruire il tutto. Tralasciando le innumerevoli prove che comportano innumerevoli problemi, il risultato finale è ottimo: duemila persona in due serate si sono goduti uno spettacolo di puro sogno lynchiano, che come tutti i sogni è fatto di frammenti spaziali ed eterei di non facile lettura...

Partiamo dall'inizio, in cui vediamo i due protagonisti di "Cuore selvaggio" recitare una conversazione telefonica tipica, di quelle smielate che preannunciano la rottura tra due innamorati. Da questo momento in poi, da quando il telefono viene abbassato e l'immagine sfuma sul palco, si passa al Sogno di un Cuore che da Selvaggio è divenuto Spezzato.
È un inferno industriale, appunto, in cui all'interno del buio si muovono forme indistinte ed inquietanti e una musica ora sensuale, ora dolce ma sempre ai confini di un altro universo regala sprazzi di luce e altri di puro incubo. Julee Cruise è la cantante, un angelo che è il sogno stesso del Cuore Spezzato Laura Dern, e che come tale continua a cantare col suo tono celestiale di speranze e di un amore che non deve andarsene via. E se inizialmente è piantata con i piedi per terra, sin dalla seconda canzone sarà l'aria il suo elemento dove volteggia mentre sotto di lei si agitano forme strane, nani che provengono direttamente da Twin Peaks e che segano alberi, un cervo scuoiato che prende vita quando Julee Cruise, con un urlo improvviso, cade e si schianta al suolo lasciando frastornato lo spettatore.
Come un demonio reincarnato la girandola diviene infernale, questa sorta di diavolo si muove barcollando per poi sparire ancora quando ricompare, nuovamente, il Sogno del cuore spezzato in un bagagliaio della macchina, pronta a cantare "Rockin' Back Inside My Heart"... e per poi lentamente fluire via, ancora sospesa nell'aria, invocando all'amore di non andare via, tra feti di bambolotti sospesi come lei in un limbo senza uscita, nell'incubo di un amore finito.

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Recensione ANIMAL HOUSE

2012-01-05T11:35:00.000+01:00

Recensione animal house

Regia di John Landis con John Belushi, Tim Matheson, John Vernon, Cesare Danova, Verna Bloom, Donald Sutherland, Kevin Bacon

Recensione a cura di The Gaunt

Furono perlomeno singolari le circostanze che portarono l'allora giovane regista John Landis alla direzione di "Animal House".

Katherine Wooten, la segretaria di produzione del film "The Kentucky Fried Movie" ("Ridere per ridere" in italiano), che Landis stava dirigendo in collaborazione con la futura ZAZ (David e Jerry Zucker, Jim Abrahams), era fidanzata con Sean Daniel, giovane produttore esecutivo della Universal. Alla fine delle proprie giornate lavorative erano soliti scambiarsi le impressioni del giorno. Il produttore esecutivo rimaneva in una certa misura stupito quando la fidanzata gli raccontava delle sue giornate lavorative con protagonisti giovani ragazze nude frustate da un nano da circo, un esercito di lottatori di arti marziali assassini, incendi e devastazioni. Questi brevi colloqui saranno utili dopo poco tempo quando, diventando vicepresidente, Daniel si trovò fra le mani la cosiddetta patata bollente dello studio e cioè lo script di "National Lampoon's Animal house", arrivato all'ennesima stesura della sceneggiatura senza trovare qualcuno in grado di farlo funzionare sul grande schermo.

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Recensione BALLATA MACABRA

2012-01-04T15:19:00.001+01:00

Recensione ballata macabra

Regia di Dan Curtis con Bette Davis, Burgess Meredith, Oliver Reed, Karen Black

Recensione a cura di Giordano Biagio

I coniugi Marian Rolf (Karen Black), Ben Rolf (Oliver Reed) con il figlio dodicenne David (Lee Montgommery), sono interessati ad un contratto d'affitto per una casa estiva e, allettati da un inserto giornalistico che propone una villa con piscina a un fitto ragionevole, decidono di partire per visitarla. L'edificio, e ciò di cui è attorniato, appaiono a prima vista bisognosi di cure, è un complesso suggestivo esteso che richiede molto lavoro, immerso in un parco ampio e incantevole. Seppur l'esiguità del canone, di soli 900 dollari, li lasci un po' perplessi i Rolf, dopo una breve consultazione, decidono di prendere la villa.
Gli unici vincoli posti dai due fratelli proprietari sono che la famiglia Rolf si prenda l'impegno del rassetto della casa e provveda ai pasti della loro vecchia madre lasciandole regolarmente un vassoio davanti alla porta. L'anziana che vive da sola, tra le sue antiche cose e i ricordi, abita in una stanza dell'ultimo piano.

Ben, il capofamiglia, non è del tutto convinto della scelta, tanto da mostrarsi spesso nervoso, turbato, perplesso, quasi ossessivo nell'interrogarsi sui motivi più reconditi che possono aver portato i proprietari a quella strana offerta. La sistemazione nella villa gli appare inconsueta, profittevole per via di una generosità elargita dai proprietari tale da sfiorare l'altruismo più estremo. E' quando viene preso, giocando in piscina con il figlio, da un raptus omicida verso il piccolo che capisce che lui e la sua famiglia sono caduti in un pauroso intrigo, dai tratti diabolici, paranormali, oscuri, con degli effetti psicologici che potrebbero essere incalcolabili, se non per certi aspetti addirittura devastanti.
La villa appare tenebrosamente viva, straniante e dotata di poteri misteriosi, capace anche di rigenerarsi, abbellirsi, lavorare, come quando Ben nota, a seguito di improvvisi rumori, che essa fa volar via i vecchi telaietti di legno che la rivestono, scoprendo quelli nuovi simili ai precedenti ma un po' più moderni. La villa cerca con insistenza sia dei servitori fedeli, amanti delle ricercatezze quotidiane che una casa borghese deve avere in tutti i suoi aspetti, che delle persone disposte a quei sacrifici più legati al lavoro casalingo, quello in grado di accrescere il valore estetico della casa tramite un duro impegno pratico.
La villa perciò, con gli straordinari e chimerici poteri che emana, seduce la moglie di Ben, Marian, che rimane in toto posseduta dai suoi richiami irresistibili, emanati dal soffio spirituale noir creato dalla atmosfera altra che tende a far sentire Marian una vera regina della casa. La donna, pur tra momenti di repulsione e colpa, a un certo punto sembra avviarsi sempre più decisamente verso un'osmosi totale, una fusione psicologica con l'entità paranormale.
Il cambiamento di atteggiamento che, inevitabilmente, la donna avrà verso la famiglia, sarà notato dal marito e dal figlio, ai quali balzerà agli occhi l'esagerato interesse della donna per la cura della casa e il suo progressivo disinteresse verso di loro. Ciò farà entrare Marian in forte conflitto con i familiari, tanto da essere violentemente richiamata ad un comportamento confacente al dilettevole scopo vacanziero della famiglia in quel luogo.
Che sacrifici richiederà la personalità paranormale della villa alla moglie di Ben in cambio del ritrovato innamoramento della donna per la casa? Esigerà immolazioni umane? La villa si nutre di sangue?

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Recensione DITEGLI SEMPRE DI SI'

2012-01-03T15:25:00.000+01:00

Recensione ditegli sempre di si'

Regia di Eduardo De Filippo con Eduardo De Filippo, Regina Bianchi, Gennarino Palumbo, Hilde Renzi

Recensione a cura di elio91 (voto: 8,5)

"C'è la parola, perché non la dobbiamo usare?"

Se in" Uomo e Galantuomo" le persone diventano pazze per stratagemma e per convenienza, usando la simulazione della malattia mentale per uscire da una situazione compromessa o compromettente, in "Ditegli sempre di sì", scritta nel 1927, Eduardo De Filippo parla della follia vera.
Si intuisce già dal titolo, difatti si dice sempre di sì ad un pazzo che si vuole assecondare nel gioco della follia per tenerselo buono. Il pazzo è Michele Murri, fratello di Teresa, che lo riaccoglie in casa dopo un lungo periodo di permanenza in manicomio. Si nota subito che la stessa sorella, con ogni probabilità, ha qualche cosa che non va, forse una tara genetica che hanno ereditato lei e il fratello: si muove in maniera particolare, quando parla, lo fa con gestualità e tic da persona non proprio del tutto sana. E poi il suo modo di chiamare la cameriera "Checcina" sempre nello stesso modo, come poi farà anche Michele.

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Recensione ALMANYA - LA MIA FAMIGLIA VA IN GERMANIA

2012-01-03T15:08:00.000+01:00

Recensione almanya - la mia famiglia va in germania

Regia di Yasemin Samdereli con Vedat Erincin, Fahri Ogün Yardim, Lilay Huser, Demet Gül, Aylin Tezel, Denis Moschitto, Petra Schmidt-Schaller, Rafael Koussouris, Aliya Artuc, Kaan Aydogdu

Recensione a cura di peucezia

Da più di un decennio si sta affermando nella cinematografia europea la cosiddetta "commedia etnica". Lo attestano titoli come "East is east" o anche "Sognando Beckam", ma anche in maniera traslata il nostro "Lezioni di cioccolato".Gli ingredienti sono più o meno gli stessi: una famiglia di immigrati integrati nella nazione che li ha accolti a lavorare, la nostalgia e le differenze con la madrepatria, le relazioni tra la prima e la seconda generazione.

Il film "Almanya" (parola turca che corrisponde a "Germania"), opera prima della turco-tedesca Yasemin Samdereli, shakera tutti gli ingredienti per dar vita a una saga familiare che comprende tre generazioni con un tono a metà tra la commedia e il patetismo (vedasi la seconda parte girata in Turchia), il tutto tra continui flashback, racconti del passato e un continuo andirivieni tra personaggi al giorno d'oggi e stessi personaggi da giovani. Hüseyin, il patriarca della famiglia Yilmaz, è emigrato in Germania (paese che vede la più alta presenza di etnia turca in Europa) all'epoca del boom economico diventando il milionesimo e uno emigrante nel paese. La sua decisione di portare la famiglia a Monaco si scontra inizialmente con i pregiudizi dei vari parenti: si sognano bottiglie di Coca Cola ma si teme il Crocifisso (in una scena decisamente un po' blasfema per i cattolici l'uomo della croce tormenta uno dei figli di Hüseyin) e chi ha delle riserve in merito all'uso dei sanitari in bagno. Dopo le iniziali perplessità la famiglia si integra presto e l'ormai anziano Hüseyin acquisisce (con un po' di riluttanza) la cittadinanza tedesca dopo anni da "Gastarbeiter" (lavoratore ospite).

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Recensione GUIDA PER RICONOSCERE I TUOI SANTI

2012-01-02T12:23:00.000+01:00

Recensione guida per riconoscere i tuoi santi

Regia di Dito Montiel con Robert Downey Jr., Rosario Dawson, Shia LaBeouf, Chazz Palminteri, Dianne Wiest, Channing Tatum, Eric Roberts

Recensione a cura di Mimmot

"Guida per riconoscere i tuoi santi", o forse una guida per riconoscere le persone che ti vogliono bene.
Le persone alle quali pensi quando hai un problema, alle quali puoi confidare i segreti più intimi, senza timore di essere giudicato; coloro con cui puoi arrabbiarti, sfogarti, perdere la pazienza, coloro con i quali puoi condividere speranze e amarezze, gioire o soffrire insieme, che ti restano vicino non per cosa hai, ma per ciò che sei; che provano gioia a stare con te, anche se non condividono necessariamente tutti i tuoi interessi, coloro ai quali possiamo dare tutta la nostra fiducia sicuri che non ci tradiranno mai, con i quali si crea una perfetta sintonia per cui l'altro sa già cosa vuoi dire, senza grandi discorsi, e ti resta vicino anche quando stai in silenzio.
Chi non vorrebbe una guida per riconoscere le persone che ci vogliono bene veramente?
Anche se sono i ragazzi del branco, gli amici che lasci per fuggire da una realtà opprimente; anche se sono un padre che ti adora ma che ti vorrebbe diverso e non vuole lasciarti partire per inseguire i tuoi sogni; anche se sono la ragazza che ami ma solo a modo tuo; anche se sono le strade che devi percorrere per fuggire lontano da tutta la melma che ti circonda e nella quale qualcuno vorrebbe farti affogare. Una strada non sappiamo quanto giusta o sbagliata, ma pur sempre una strada: la tua strada. Una strada da percorrere fino in fondo per arrivare, alla fine, a riconoscere i tuoi santi.
I tuoi santi! Chi? Gli amici? Gli affetti? O coloro che ti hanno permesso di scappare da una periferia anonima e violenta?
Un mondo chiuso, una sorta di ghetto dove ad un certo momento senti che ti manca l'aria, dove improvvisamente ti senti un estraneo. E decidi di fuggire. Lontano. Da tutto e da tutti. Per seguire i tuoi sogni. Verso l'ignoto, verso la libertà.
E Dito un giorno non ce la fa più e scappa. Lascia tutto, la famiglia, gli amici, la ragazza che ama e scappa. Verso la California, verso l'American dream.

Dito (Dito Montiel, regista, sceneggiatore, autore del romanzo da cui il film è tratto, è lui che vorrebbe una guida per riconoscere i suoi santi) è oggi uno scrittore di successo che vive a Los Angels, in California.
Di ritorno da un reading, nel corso del quale ha letto alcuni brani del suo romanzo, "A guide to recognizing your Saints", appunto, ascolta sulla sua segreteria telefonica un accorato appello della madre che lo esorta a tornare immediatamente a casa perché suo padre ha avuto un grave malore e sta morendo in ospedale.
Il viaggio a ritroso, dalla California verso il Queens, il grigio e degradato quartiere di New York dove è nato e cresciuto e dal quale è fuggito 15 anni prima per salvarsi dall'emarginazione, diventa per Dito l'occasione per ripensare al suo passato e fare un bilancio della sua vita.
Ritornare significa far riemergere i ricordi angosciosi dell'ultima estate passata ad Astoria, nel Queens, le grigie giornate segnate da violenza e pestaggi, litigi coi genitori e microcriminalità, primi amori e cruda scoperta del sesso, amicizie difficili e consumo di droga; quando ancora adolescente scorazzava per le strade del quartiere insieme agli inseparabili amici di sempre, Antonio, Giuseppe e Nerf.
Antonio, il volto perennemente segnato dalle percorse del padre, spavaldo e impulsivo, bullo fragile e violento, generoso e protettivo al punto da mettere la sua vita all'inferno per salvare quella dell'amico; Giuseppe, fratello minore di Antonio, costantemente alla ricerca di conferme, nella continua necessità delle attenzioni del fratello a cui vorrebbe tanto assomigliare; Nerf, il terzo vertice del triangolo che stringe in una morsa affettiva il protagonista e gli impedisce di andare via da quel sobborgo per realizzare i suoi sogni. Compagni di vita e di esperienze, figure di riferimento che gli vogliono bene ma non gli permettono di aspirare ad una vita migliore.
Le figure femminili sembrano ombre sbiadite che non si elevano mai al di sopra della marginalità: la madre, succube del marito, non riesce a mediare tra l'intransigenza del padre e la voglia di evasione del figlio; Laurie, la giovane fidanzatina, sensuale e insicura, simbolo dell'innocenza violata. La sua ansia di essere accettata si traduce, spesso, in atteggiamenti eccessivamente sensuali e provocanti che trovano terreno fertile negli ormoni in subbuglio di adolescenti emarginati e anche un po' reietti.
Il caldo torrido dell'estate del 1986 che precede la fuga è insostenibile come il bisogno di affrancarsi dalla difficile realtà del suo quartiere, caratterizzata dalla drammatica assenza di futuro, ma soprattutto da un contesto familiare mosso da buone intenzioni ma opprimente e castrante, che gli tarpa le ali e gli impedisce di crescere.

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Recensione IL FIGLIO DI BABBO NATALE

2011-12-30T14:17:00.001+01:00

Recensione il figlio di babbo natale

Regia di Sarah Smith, Barry Cook con James McAvoy, Hugh Laurie, Jim Broadbent, Bill Nighy, Imelda Staunton, Oreste Baldini, Michele Gammino, Fabrizio Pucci, Giorgio Lopez, Fabrizia Castagnoli, Carlo Valli, Ilaria Latini

Recensione a cura di JackR

In un anno un po' fiacco per l'animazione (persino la Pixar ha deluso) "Il figlio di Babbo Natale" (titolo originale: "Arthur Christmas") è un'insperata sorpresa dell'ultimo momento. Gli Aardman Studios sono gli stessi di "Wallace And Gromit" e "Galline in Fuga", perciò le aspettative erano tutt'altro che basse; il soggetto però - la famiglia di Babbo Natale - non induceva grandi speranze, essendo anche stato usato più o meno male di recente in varie situazioni.

La trama: Babbo Natale, aiutato da un plotone di elfi militarizzati ed efficientissimi, consegna i regali in tutto il mondo grazie alla tecnologia messa a punto da suo figlio Steven, che ha mandato in pensione slitta e renne per affidarsi ad astronavi, GPS e sistemi automatizzati e che si appresta a raccogliere l'eredità paterna. La famiglia si completa con la moglie di Babbo Natale (la grande donna dietro il grande uomo), Nonno Natale (ex Babbo a sua volta, nostalgico e polemico nei confronti della tecnologia) e Arthur, secondogenito impacciato e ingenuo, sopportato con malcelato fastidio persino dagli elfi, unico rimasto a credere nella magia del Natale, ma non considerato per la successione. Per un errore di sistema, una bambina viene lasciata senza regalo. Per Steven è una percentuale d'errore tollerabile, per Babbo, ormai vecchio e rincoglionito, è un dispiacere ma nulla su cui non si possa dormire. Per Arthur, è un'intollerabile mancanza, qualcosa a cui porre rimedio a tutti i costi...

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Recensione UOMO E GALANTUOMO

2011-12-29T17:06:00.000+01:00

Recensione uomo e galantuomo

Regia di Eduardo De Filippo con Patrizia D'Alessandro, Luigi De Filippo, Paolo Graziosi, Linda Moretti, Eduardo De Filippo

Recensione a cura di elio91 (voto: 8,5)

"Io tengo una buatta..."

Scritta nel 1922 da Eduardo De Filippo, "Uomo e Galantuomo" (inizialmente conosciuta con il titolo "Ho fatto il guaio? Riparerò! ") fu rappresentata dalla compagnia di Vincenzo Scarpetta (per cui fu scritta) di cui lo stesso Eduardo faceva parte. È la sua seconda commedia dopo il breve atto unico "Farmacia di turno". Diventerà però famosa anni dopo con il titolo di "Uomo e Galantuomo", e nel caso in questione sono davvero poche le differenze che si notano tra la versione televisiva del 1975 e quella scritta per il teatro.
Si può benissimo parlare di teatro filmato, una sorta di ibrido per la tv in cui non si ha bisogno di scendere a patti col testo scritto se non forse con alcuni tempi meno dilatati: forse si soffre la mancanza del pubblico e delle sue risate in platea, ma tutto sommato non ci si può proprio lamentare di questo esperimento che per primo Eduardo ha sfruttato nel fondere teatro e tv, e la trasposizione televisiva della sua seconda commedia fa parte di un terzo ciclo per la Rai con un pubblico già rodato da anni.

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Recensione L'INDUSTRIALE

2011-12-28T11:41:00.000+01:00

Recensione l'industriale

Regia di Giuliano Montaldo con Carolina Crescentini, Pierfrancesco Favino, Eduard Gabia, Francesco Scianna

Recensione a cura di JackR

Nicola, proprietario di una fabbrica che produce pannelli solari, è con l'acqua alla gola: le banche gli rifiutano ulteriori finanziamenti e se non trova investitori in fretta, dovrà dichiarare bancarotta.
Mentre cerca una soluzione che sembra impossibile, scopre che anche l'ultima cosa che gli resta, l'amore della moglie Laura (Carolina Crescentini) gli sta sfuggendo: il sospetto che Laura abbia una relazione extraconiugale spinge Nicola a seguirla di nascosto...

"L'Industriale" di Giuliano Montaldo conferma, se ce ne fosse bisogno, due cose: che Pierfrancesco Favino è l'attore piú dotato della sua generazione e che il cinema italiano non è oggi all'altezza dei suoi migliori interpreti. Nei primi minuti, l'attacco al sistema bancario e al governo promette ben altro coraggio e spessore, lasciando sperare in un film che documenti la drammatica situazione del paese raccontandola attraverso la vicenda di una sola persona e che abbia il coraggio di accusare apertamente i responsabili della crisi e della mancanza di soluzioni.
Ci sono due storie sovrapposte: quella del tentativo di Nicola di salvare la fabbrica e quella del tentativo di Nicola di salvare il proprio matrimonio. L'equilibrio tra le due non funziona a dovere e quando nella seconda parte la sottotrama del presunto tradimento di Laura prende il sopravvento, il film si spegne in una specie di noir.
La Torino svuotata, bloccata dai cortei e desaturata fino ai limiti del bianco e nero è l'unico graffio di un film che al momento decisivo sceglie il melodramma e tralascia il tema economico e sociale, che viene risolto in una boutade.

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Recensione DECALOGO 2

2011-12-27T11:57:00.000+01:00

Recensione decalogo 2

Regia di Krzysztof Kieslowski con Krystyna Janda, Aleksander Bardini, Olgierd Lukasiewicz

Recensione a cura di elio91 (voto: 8,0)

Per Kieslowski i primi tre film del Decalogo furono i più difficili da scrivere, perché tutti e tre parlano del rapporto dell'uomo con Dio. Dove individuare quindi il riferimento del secondo comandamento all'interno di una pellicola? Forse in uno scambio di battute tra medico e moglie del malato, in cui lei fa l'esplicita domanda all'anziano dottore: "lei crede in Dio"? Ma andiamo con ordine.

La trama ha ancora una volta il gusto di una sorta di thriller dell'anima. Due i protagonisti principali ma in realtà ancora una volta sarebbero in quattro seguendo lo stesso schema del "Decalogo 1": il dottore e la moglie del malato di nome Dorota, il malato che rimane sempre sullo sfondo in una parte sempre passiva negli eventi (ma nel finale sarà lui a chiudere col dottore), poi una voce lontana che ascoltiamo solo dal ricevitore del telefono ed è l'amante di Dorota (così come in "Decalogo 1" la presenza della madre di Pawel era solo lontana e impalpabile).

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Recensione DECALOGO 1

2011-12-22T16:59:00.000+01:00

Recensione decalogo 1

Regia di Krzysztof Kieslowski con Henryk Baranowski, Wojciech Klata, Maja Komorowska

Recensione a cura di elio91 (voto: 9,0)

Primo dei dieci mediometraggi diretti da Kieslowski e scritti dallo stesso e da Piesiewicz sui dieci comandamenti biblici.
Il Decalogo è stato una delle ultime grandi rivelazioni mondiali di un regista che all'epoca (1989) non era conosciuto al di fuori della Polonia, dove si era dedicato principalmente a documentari "scomodi" per poi abbandonarli a fine anni '70 e passare al cinema vero e proprio. Cinema che lo stesso Kieslowski non ha mai dichiarato di amare, anzi il suo rapporto di quasi odio con la macchina da presa è testimoniato anche in pellicole come "Il Cineamatore" o nella decisione, dopo la "Trilogia dei Colori" di abbandonare il mondo del cinema.

Fatto sta che questi dieci piccoli film, girati per la tv polacca, rappresentano un tassello fondamentale della storia del cinema del secolo scorso: accolto come una rivelazione proprio qui in Italia dove a Venezia si aggiudicò il premio FRIPESCI, il Decalogo mantiene tutte le promesse del suo autore di non voler fare semplici moralismi o peggio ancora "una collezione di sentenze o precetti"; le trame sulla carta appaiono da subito accattivanti e si snodano in 55 minuti con uno stile intimista, poco incline al virtuosismo e che coglie appieno tutte le sfumature psicologiche dei personaggi ivi ritratti. Un cinema d'autore che non da giudizi, non vuole esprimere condanne esplicite (tranne nel solo caso del quinto film) ma al contrario pone interrogativi e domande la cui risposta dobbiamo cercare dentro di noi, analizzandoci a fondo.

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Recensione EMOTIVI ANONIMI

2011-12-21T17:30:00.000+01:00

Recensione emotivi anonimi

Regia di Jean-Pierre Améris con Benoît Poelvoorde, Isabelle Carré, Lorella Cravotta, Lise Lamétrie, Swann Arlaud, Pierre Niney, Stéphan Wojtowicz, Jacques Boudet, Alice Pol, Céline Duhamel

Recensione a cura di peucezia

Uscito nelle sale francofone un anno fa e arrivato in Italia per fare il film "alternativo" nel periodo natalizio "Emotivi anonimi" affronta un problema che in misura più o meno diversa un po' tutti abbiamo affrontato nella vita; la difficoltà nel gestire le relazioni umane . Il proliferare dei social networks e del mondo delle chat nasconde la paura che sempre più si ha a relazionarsi con il mondo esterno, il senso di non adeguatezza che porta a falsare il proprio comportamento, a non farsi capire generando malintesi a volte paradossali.

La storia del regista Jean-Pierre Amèris e interpretata con stile e mestiere dai due bravi caratteristi Benoit Poelvoorde, di chiara origine belga e Isabelle Carrè ruota intorno a due timidi cronici, Jean- René, proprietario di una piccola cioccolateria sull'orlo del fallimento e Angélique giovane artista del cioccolato.

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Recensione SPIDER-MAN 2

2011-12-21T17:22:00.000+01:00

Recensione spider-man 2

Regia di Sam Raimi con Tobey Maguire, Kirsten Dunst, Alfred Molina, James Franco, Elizabeth Banks, Bruce Campbell, Rosemary Harris, J.K. Simmons, Ted Raimi, Daniel Gillies

Recensione a cura di Luke07 (voto: 8,0)

Il numero due è sempre il più difficile, è sempre così. Troppe aspettative che rischiano di rimanere disilluse e il rischio di flop è dietro l'angolo. Casi di sequel non all'altezza del primo episodio se ne contano a iosa nella storia del cinema e il timore che questo Spider-Man confermasse la regola era più che tangibile. Fortunatamente "Spider-Man 2" non rappresenta la regola, bensì l'eccezione, la degna prosecuzione di un percorso intrapreso con il precedente episodio, solo migliore.

Mentre nel primo film si doveva fare i conti con la genesi del supereroe, qui il regista Sam Raimi può finalmente concentrarsi sulle dinamiche psicologiche dei protagonisti che, di fatto, agiscono da elemento trainante dell'intera pellicola, poiché tutto ruota attorno alle loro incertezze, timori, e debolezze, specie quelle di Peter Parker, ragazzo normale che più di ogni cosa brama la normalità senza però poterla realmente ghermire.

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Recensione LE IDI DI MARZO

2011-12-20T17:54:00.000+01:00

Recensione le idi di marzo

Regia di George Clooney con Ryan Gosling, George Clooney, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Paul Giamatti, Philip Seymour Hoffman, Max Minghella, Jeffrey Wright, Danny Mooney, Lauren Mae Shafer

Recensione a cura di peucezia

Un giovane attivista prova il discorso del candidato alle primarie.

Ha trent'anni ma sa muoversi nelle campagne elettorali con competenza e mestiere e soprattutto appoggia entusiasticamente il suo uomo perché palesemente convinto della bontà delle sue idee.

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Recensione SUPER 8

2011-12-19T16:54:00.000+01:00

Recensione super 8

Regia di J.J. Abrams con Elle Fanning, Amanda Michalka, Kyle Chandler, Ron Eldard, Noah Emmerich, Gabriel Basso, Katie Lowes, Zach Mills, Marco Sanchez, Thomas F. Duffy, Joel Courtney, Ryan Lee

Recensione a cura di Carlo Baldacci Carli (voto: 7,5)

Durante l'estate del 1979, in una cittadina americana dello stato dell'Ohio un gruppo di ragazzini sta girando un film horror sugli zombi. Il gruppo di amici è munito di una cinepresa Super 8, di fantasia e di tanta buona volontà.
Fra di loro c'è Joe (Joel Courtney), il figlio del vicesceriffo Jackson Lamb (Kyle Chandler), che è l'addetto agli effetti speciali e che ha perduto sua madre pochi mesi prima a causa di un incidente sul lavoro nell'acciaieria dove lei era impiegata come operaia. Joe partecipa al film diretto dall'amico Charles (Riley Griffiths) soprattutto perché è infatuato di Alice (Elle Fanning), l'attrice protagonista, che è figlia di Louis Dainard (Ron Eldard), l'operaio che ha involontariamente provocato la morte della madre di Joe.
Il gruppo di amici, dovendo girare un film senza soldi, si trova costretto a "rubare" le location che gli occorrono, sfruttando tutti quegli elementi che possono dare alla loro storia una maggior credibilità. Per questa ragione si recano di notte in una piccola stazione di campagna, poco fuori città, per girare una scena sfruttando il passaggio di un vero treno.
I ragazzi cominciano le riprese e il treno sopraggiunge, ma un pickup si scontra con la locomotiva del treno, facendolo deragliare. I ragazzi abbandonano di corsa il set improvvisato per ripararsi dai vagoni ormai fuori controllo. La cinepresa Super 8 cade a terra e continua a filmare, immortalando nel celluloide l'incidente e anche lo strano prigioniero che il treno trasportava.
Dopo il deragliamento i ragazzi scoprono che l'autista del pickup è il dottor Woodward (Glynn Turman), un loro professore, che li mette in guardia e intima loro di scappare. I ragazzi recuperano le loro cose, fra cui la cinepresa super 8, e fuggono, mentre un gruppo di militari dell'Air Force sopraggiunge sul luogo dell'incidente.
Il giorno seguente i militari comandati dal colonnello Nelec (Noah Emmerich), dopo aver recuperato il materiale trasportato dal treno fra cui dei misteriosi cubi di metallo, presidiano l'intera cittadina, che intanto è colpita da una serie di strani accadimenti fra cui la scomparsa di alcune persone e degli animali domestici.

"Super 8" è la terza opera cinematografica diretta da J.J. Abrams che ne firma anche la sceneggiatura. Questo autore, che fino a pochi anni fa era più noto nella sua qualità di sceneggiatore - ricordiamo alcune pellicole come "A Proposito di Henry" ("Regarding Henry", 1991), "Amore per Sempre"("Forever Young",1992) e "Armageddon"(1998) – e creatore di serie televisive di successo come "Lost", "Fringe" e "Undercovers", ha sempre saputo muoversi nel mondo del cinema e della televisione a trecentosessanta gradi. Si è dedicato alla regia, alla scrittura di soggetti e di sceneggiature, alla produzione, alla composizione di musiche e di colonne sonore. Delle tre opere cinematografiche che ha diretto, "Super 8" è quella dal budget più basso (parliamo di circa 50 milioni di dollari contro i 140mila di "Star Trek" e i 150 mila di "Mission Impossible 3") e, al tempo stesso, la più genuina.
Nello scrivere "Super 8" J.J. Abrams si è ispirato a se stesso, quando da ragazzino ammirava al cinema i film di Steven Spielberg e si dilettava insieme a un gruppo di amici a fare film amatoriali con la sua cinepresa Super 8. E così, proprio con la produzione di Steven Spielberg, ha scritto e realizzato un film fortemente ispirato alla cinematografia di quegli anni. Il risultato è un film di intrattenimento, destinato prevalentemente a un pubblico giovane e a un pubblico nostalgico, che ha saputo far rivivere e celebrare la cinematografia d'evasione della fine degli anni settanta e dei primi anni ottanta.
La sceneggiatura cura con perizia la costruzione dei personaggi, che ha un ruolo centrale nello schema narrativo adottato, mentre si svincola con intelligente superficialità dagli impasse narrativi cui potrebbe andare incontro. "Super 8", infatti, è prima di tutto un film sull'amicizia e sulla fantasia, sorretto da una trama fantascientifica poco più che pretestuosa. I due principali punti di riferimento cui si ispira Abrams sono i film di Steven Spielberg e le opere di Stephen King. Ma se i primi sono citati in modo palese e, a tratti, invasivo, le seconde sono più sussurrate e si amalgamano con moltissime altre citazioni della cinematografia di genere tipica di quegli anni.

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Recensione IL TEMPO DEI GITANI

2011-12-16T17:13:00.000+01:00

Recensione il tempo dei gitani

Regia di Emir Kusturica con Ljubica Adzovic, Bora Todorovic, Davor Dujmovic

Recensione a cura di Giordano Biagio

Il giovane rom Perhan (Davor Dujmovic) vive in un campo nomadi, alla periferia di Sarajevo, nel sud della Jugoslavia, insieme alla nonna, alla sorella storpia e a uno zio geloso e vizioso. Il ragazzo è orfano della mamma deceduta a seguito di una grave malattia e non ha mai conosciuto suo padre, soldato sloveno comparso in quei luoghi per una battaglia e poi svanito nel nulla.
Perhan è innamorato di Asdra, una bella ragazza rom interessata a lui; il ragazzo vorrebbe sposarla se nonché incontra l'opposizione rigida della madre che vede in lui una persona incapace di mantenere sua figlia e gli eventuali figli.
Un giorno, ritornano nel campo nomadi due violenti boss rom, denominati lo Sceicco e suo fratello, emigrati all'estero tempo addietro e divenuti ricchi vendendo bambini messi sul mercato da madri per lo più vergognose della loro gravidanza, spesso frutto di relazioni segrete. Con la loro venuta la famiglia di Perhan piomba nel caos perché lo zio perde tutto quello che ha al gioco delle carte manovrato dai due boss e, irritato, cerca di rifarsi sui beni della nonna rendendo inagibile, per ricatto in denaro, la casa.

Quando la nonna guarisce con la magia delle mani il figlio moribondo dello Sceicco, si apre improvvisamente uno spiraglio di aiuto per la famiglia in crisi di Perhan. Lo Sceicco accetta di far operare alla gamba la sorella storpia di Perhan, raccomandata dalla nonna, e parte insieme al ragazzo per l'ospedale di Lubiana.
La ragazza viene consegnata al personale infermieristico dell'ospedale con la promessa (non mantenuta) che un altro parente si sarebbe fatto vivo in pochi giorni con i soldi per l'operazione, poi il boss trascina con sé Perhan e fugge verso il campo nomadi di Milano dove con la delinquenza e la prostituzione è riuscito a fare già numerosi affari d'oro.
Perhan nel campo di Milano è male accolto, viene vessato in tutti i modi dagli aguzzini del boss per la sua riluttanza a diventare un delinquente; la violenza su di lui è sistematica, finalizzata al reclutamento, e arriva a un punto tale da sfinirlo. Perhan di fronte alla prospettiva di ritornare a mani vuote nel campo nativo di Sarajevo, che rappresenterebbe il fallimento dei suoi sogni, cede alle richieste dello Sceicco e inizia a Milano una scalata di tipo malavitoso, diventando in breve tempo un boss rispettato, cinico e cattivo.
Arricchitosi, al rientro al campo nomadi di Sarajevo, anziché realizzare i suoi sogni, Perhan va incontro a cocenti delusioni: la sua ragazza è incinta di un altro e l'amata nonna rifiuta di vivere con lui in una nuova casa. La donna infatti intuisce, dai modi insoliti del ragazzo, che suo nipote è diventato un delinquente. Perhan riprende il suo sporco lavoro a Milano ma scoprirà altri inganni e mancate promesse dello Sceicco sugli aiuti alla sua famiglia, cose che lo indurranno alla disperazione.
Come reagirà alle disillusioni Perhan, ritornerà sui suoi passi rifiutando la malavita o sarà per lui ormai troppo tardi riprovare a vivere onestamente e riguadagnare la fiducia della nonna tanto amata?

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Recensione MIDNIGHT IN PARIS

2011-12-16T13:36:00.000+01:00

Recensione midnight in paris

Regia di Woody Allen con Adrien Brody, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Owen Wilson, Carla Bruni, Kathy Bates, Michael Sheen, Tom Hiddleston, Alison Pill, Elsa Pataky, Kurt Fuller, Mimi Kennedy, Gad Elmaleh, Corey Stoll, David Lowe, Lil Mirkk, Léa Seydoux

Recensione a cura di Luke07 (voto: 7,5)

"Non serve a niente rifugiarsi nei sogni e dimenticarsi di vivere"
J.K. Rowling

Parigi è città che trasuda romanticismo e proprio per questo si presta benissimo a far da sfondo ad una moderna favola romantica che ha per protagonista Gil, sceneggiatore hollywoodiano alle prese con il suo romanzo d'esordio in procinto di convolare a nozze con la bella, ma viziata, Inez. Durante una notte, però, come per incanto si ritrova catapultato nella Parigi patinata e sognante degli anni Venti dove, grazie all'incontro con personaggi quali Ernest Hemingway, Scott Fitzgerald, Gertrude Stein, Salvador Dalì, Pablo Picasso e Luis Bunuel, scoprirà una preziosa verità: bisogno e desiderio non sempre coincidono.

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Recensione ROMA

2011-12-15T17:23:00.000+01:00

Recensione roma

Regia di Federico Fellini con Fiona Florance, Peter Gonzales, Pia De Doses, Anna Magnani, Britta Barnes, Renato Giovannoli, Elisa Mainardi, Paola Natale, Alberto Sordi, Federico Fellini, Alvaro Vitali, Gore Vidal, Marcello Mastroianni

Recensione a cura di elio91 (voto: 8,5)

ROMA SECONDO FEDERICO

Quante volte Fellini ha ritratto Roma e in quante maniere diverse! Si potrebbe quasi accusarlo di smentirsi nelle varie visioni che ha dato della sua città d'adozione: Roma dei poveracci e delle puttane disilluse, rappresentate dalla gracile Cabiria che ne passa di tutti i colori ma che resiste stoica e sorride alla vita; Roma mondana dei paparazzi e della Dolce Vita, con la Ekberg che tenta Marcello invitandolo a raggiungerla nella Fontana di Trevi, con Cristo a fare un volo con l'elicottero su tutta la città; e infine Roma, nella sua totalità. Manco a dirlo, questa è la Roma secondo Fellini.
Vale la pena partire dalle varie locandine scelte per il film: su quasi tutte campeggia un donnone enorme, statuario, dalle forme esagerate e lo sguardo che guarda lontano, chissà dove. Una prostituta che rappresenta Roma, concetto forte ma che il regista ripete più e più volte nello stesso film. O ancora, in un'altra celebre locandina causa di molte controversie con i moti femministi, vi è una donna carponi con varie mammelle, come un ibrido della Lupa capitolina.
Comunque la si veda, non è un caso che per Fellini la rappresentazione della sua Roma sia una donna, madre e prostituta. Perché Roma è tutto, eterna contraddizione inspiegabile e spinta erotica della fantasia, affascinante proprio per questo suo respingerti pur se mai completamente, ma che non ti accoglie del tutto; città che non si può liquidare con semplicità. Fellini la può ritrarre senza essere distaccato e nelle sue mille contraddizioni e travestimenti perché l'ha conosciuta da estraneo, dopo essere scappato dalla provincia romagnola. Il suo è un trattato quasi antropologico filtrato da una furiosa fantasia d'artista, ritratto di una città mitica che diventa ancora più reale attraverso la messa in scena della palese finzione (concetto fondamentale per capire il Fellini post "Otto e mezzo").

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Recensione MY SON, MY SON, WHAT HAVE YE DONE

2011-12-14T16:37:00.000+01:00

Recensione my son, my son, what have ye done

Regia di Werner Herzog con Willem Dafoe, Chloë Sevigny, Brad Dourif, Udo Kier, Michael Peña, Michael Shannon, Irma P. Hall, Grace Zabriskie, James C. Burns, Noel Arthur, Braden Lynch, Candice Coke, Jenn Liu, Julius Morck, Stefan Cap

Recensione a cura di pompiere (voto: 8,0)

Anche i giganti hanno cominciato da piccoli. Poi da minuscoli batuffoli irrisori, se non favoriti nel loro processo di crescita, corrono il rischio di trasformarsi in sub-adulti. Laddove i nani del 1970 ("Auch Zwerge haben klein angefangen") erano per Werner Herzog l'esuberanza della realtà vista in bianco e nero, personalità moleste di dromedari, rivoluzionari e fomentatori crudeli, sconvolgenti briciole affette da isteria, il loro Intero degli anni Zero ha la personalità quasi insignificante dipinta da Michael Shannon in un lavoro interpretativo di sottrazione.

Il gigante è un enorme batuffolo rosa, circondato da suppellettili di colore rosa, da pink flamingos da cortile a loro modo trasgressivi (mai come le icone eccentriche di John Waters), da rappresentazioni degli stessi animali sparse per tutta casa: fenicotteri rosa che si confondono con pareti rosa, che poggiano su cuscini rosa, su foulard, su piatti, su piccoli grandi oggetti rosa. Terrine, lampade, tutto è romanticamente, spiritualmente e claustrofobicamente abbellito. Ma il gigante Brad, trentenne stagionato, ha visto soffocare le sue velleità sportive cestistiche e sente il bisogno urgente di una scoperta/riconciliazione con la figura paterna che non ha mai conosciuto, insabbiata anch'essa dal maestoso dominio di dolore della madre. La quale gira intorno alla sagoma del figlio come fa la macchina da presa con alcuni dei personaggi, annusandone l'odore, pretendendone l'attenzione.

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Recensione VIRILE GAMES

2011-12-14T16:34:00.000+01:00

Recensione virile games

Regia di Jan Svankmajer con -

Recensione a cura di elio91 (voto: 7,5)

Il calcio: gioco virile per eccellenza. Con la sua lente surrealista e distorta, Jan Svankmajer lo rappresenta secondo la sua ottica ed è difficile non rimanere conquistati, esilarati, un po' turbati dalla sua visione dello sport più famoso del mondo.

Un uomo si prepara al consueto rito calcistico: prepara le bottiglie mettendole in frigo, aggiusta la sedia, accende la tv mentre passano sullo schermo immagini di tifosi in bianco e nero, prepara un piatto di biscottini, apre la bottiglia di birra stappandole con il portachiavi. E qui che inizia la partita... Ed irrompe anche la consueta animazione del regista, con dei giocatori animati che su una dolce musica sognante sembrano danzare e levitare con il pallone tra i piedi. Poi un giocatore si avvicina ad un altro e gli appiattisce la faccia fino a renderla in poltiglia. 1 a 0.

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Recensione LA CAVALCATA DEI RESUSCITATI CIECHI

2011-12-13T15:28:00.000+01:00

Recensione la cavalcata dei resuscitati ciechi

Regia di Armando de Ossorio con Tony Kendall, Fernando Sancho, Esther Roy

Recensione a cura di Giordano Biagio

"La cavalcata dei resuscitati ciechi" (1972) è un'opera horror d'autore, firmata dallo spagnolo Amando De Ossorio, molto dotato nella creazione di suggestioni terrorizzanti. La pellicola fa parte di una serie di tre film di successo sugli zombie-templari di cui gli altri due sono: "Le tombe dei resuscitati ciechi" (1972), "La nave maledetta" (1973).
Questa pellicola è stata girata in Portogallo, a Bouzano, le vicende sui templari che caratterizzano gran parte della pellicola, avrebbero forse richiesto, per migliorare la verosimiglianza d'insieme della narrazione, un'ambientazione in Spagna, ma secondo alcuni critici produrre e diffondere un film del genere durante il franchismo, allora molto attento agli incantesimi negativi dei media cioè a tutto ciò che i film evocavano in termini di superstizioni, avrebbe sicuramente creato al regista Amando De Ossorio seri problemi con la censura.

La prima parte del film si svolge nel '500 e mostra, in un tempio buio e spettrale, i preparativi per il rogo dei templari, condannati a morte dal popolo per aver sacrificato al demonio, in cambio della vita eterna, diverse vite umane del villaggio. I templari, in punto di morte, urlano ai carnefici la propria immortalità e promettono che ritorneranno per vendicarsi. Gli abitanti, impauriti, li accecano con una torcia affinché non ritrovino più la strada del villaggio.
La scelta dell'epoca storica in cui si svolgono i fatti, il '500, lascia un po' incuriositi, perché il famoso ordine dei cavalieri monastici si estingue nel 1314 con la messa al rogo, in Francia, del suo ultimo maestro, Jacques de Molay, arso davanti alla cattedrale di Notre Dame. Conoscendo l'affidabilità e serietà narrativa del regista Amando De Ossorio tutto lascia pensare che egli fosse probabilmente a conoscenza di nuove leggende del posto o di una documentazione storica per il momento poco nota.

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Recensione CORPO CELESTE

2011-12-13T15:21:00.000+01:00

Recensione corpo celeste

Regia di Alice Rohrwacher con Yile Vianello, Salvatore Cantalupo, Pasqualina Scuncia, Anita Caprioli, Renato Carpentieri, Monia Alfieri, Licia Amodeo, Maria Luisa De Crescenzo, Gianni Federico

Recensione a cura di peucezia

Marta non ha ancora tredici anni, ne dimostra molto meno, ha voglia di crescere (ruba i reggiseni alla sorella appena maggiorenne per sembrare più grande), è appena arrivata a Reggio Calabria dalla Svizzera e deve fare la Cresima.

Frequenta il catechismo in una chiesa di periferia, tra compagne più sviluppate di lei che giocano a fare le donne e ragazzi ingenuotti.
La catechista, una donna animata da buone intenzioni, ma decisamente gretta e ignorante, più che portare i cresimandi a una crescita spirituale (nell'ottica dei sacramenti la cresima o confermazione è il passaggio dalla condizione di "fanciulli" a quella di "adulti" nella fede) si sofferma su squallidi quiz e sugli aspetti più "pagani" della festa: l'abito elegante, i festeggiamenti e la necessità di prendere questo sacramento come indispensabile passaporto per il matrimonio, ma quando Marta pone delle domande che testimoniano la sua sete di conoscenza , la donna diventa elusiva e persino cattiva.

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Recensione AMARCORD

2011-12-12T17:51:00.000+01:00

Recensione amarcord

Regia di Federico Fellini con Pupella Maggio, Bruno Zanin, Armando Brancia, Ciccio Ingrassia, Nando Orfei, Luigi Rossi, Magali Nöel, Josiane Tanzilli

Recensione a cura di elio91 (voto: 10,0)

Forse tanti non lo sanno ma la parola Amarcord non significa solo "Io mi ricordo": è una formula magica. Esatto, come quella che Guido continuava a ripetersi in Otto e Mezzo pescandola nella sua memoria di bambino, l'Asa Nisi Masa che contiene la parola Anima. In un momento forse di noia all'interno di un ristorante Fellini prese un tovagliolo e scrisse di getto questa nuova formula: Amarcord, "io mi ricordo" in dialetto riminese. Da quel momento Federico sa bene che questo sarà il titolo del film a cui sta lavorando con Tonino Guerra, un nuovo progetto come sempre avvolto nella segretezza e che tenta in tutti i modi di depistare fornendo notizie bomba ai giornali che si rivelano puntualmente castronerie colossali (un film di fantascienza intitolato "Hammarcord" per allontanare ogni sospetto sulla Romagna, per dirne una).

Fellini nel 1972 aveva portato nel mondo il trionfo della sua Roma personale, felliniana appunto, per poi ritirarsi in un angolo remoto della sua memoria e fare un tuffo nel passato: Amarcord è questo, un passato che c'è, tangibile eppure inventato come tanti dei miti nella carriera del maestro. Indubbiamente è enorme il contributo di Tonino Guerra nella sceneggiatura, romagnolo come Fellini ma a differenza di quest'ultimo legatissimo alla sua terra d'origine quando in realtà Federico ormai è sempre più un romano d'adozione. Questo per chiarire una volta per tutte che Amarcord non è un film autobiografico in senso stretto, non racconta per nulla l'infanzia di Federico Fellini così come è effettivamente stata, ma così come è stata immaginata. Ad esempio, tra le scene più citate e famose c'è quella del transatlantico Rex che costeggia la riviera romagnola sotto lo sguardo affascinato degli abitanti riuniti su barche per l'occasione. Ebbene, questo avvenimento non è mai accaduto in quanto il Rex non si è mai avvicinato a Rimini se non una volta sola, a fari spenti dopo la Seconda guerra mondiale.

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Recensione IL CUOCO, IL LADRO, SUA MOGLIE E L'AMANTE

2011-12-07T16:29:00.000+01:00

Recensione il cuoco, il ladro, sua moglie e l'amante

Regia di Peter Greenaway con Richard Bohringer, Helen Mirren, Michael Gambon, Alan Howard, Tim Roth

Recensione a cura di atticus (voto: 9,0)

Grande opera avversa, fatta di lusso, di sporco, di fiamme e di carne; un film violento e liberatorio, umiliante e catartico, infimo e madornale, quello in cui l'espressività stilistica di Peter Greenaway, già autore avvezzo allo scandalo (basti citare quell'algida bizzarria che è "Lo zoo di Venere"), raggiunge il suo grado massimo di compiutezza.

In un fastoso ristorante contemporaneo si dipanano i destini dei quattro protagonisti del titolo: Richard, un cuoco francese fine e discreto (Richard Boringher), Albert Spika, un ladro dai modi sgarbati e ripugnanti (Michael Gambon), la trascurata moglie Georgina (Helen Mirren) e il raffinato amante di lei, l'intellettuale Michael (Alan Howard), cliente fisso del ristorante che alle persone preferisce la compagnia di un buon libro.
In nove giorni e nove cene, introdotte sullo schermo dai ricchissimi e ipercalorici menu delle prelibatezze messe a punto per la serata, nasce e si conclude atrocemente la passione tra Georgina e Michael, tra sguardi eloquenti e rapporti amorosi consumati segretamente nei bagni nivei e nelle opulente dispense della cucina.
Riconosciutosi becco sotto gli occhi di tutti, Albert perseguiterà moglie e amante fino a scovarli nell'immensa biblioteca-rifugio in cui ucciderà Michael ingozzandolo di pagine di libri. Non immagina la vendetta della donna, per anni vittima delle perversioni sessuali e dei sadismi erotico-culinari del marito, che si appresta così ad imbandire un macabro banchetto il cui unico commensale sarà il furioso Albert.

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Recensione TERRORE NELLO SPAZIO

2011-12-06T16:18:00.000+01:00

Recensione terrore nello spazio

Regia di Mario Bava con Barry Sullivan, Norma Bengell, Ángel Aranda, Evi Marandi, Stelio Candelli, Franco Andrei

Recensione a cura di Giordano Biagio

In una galassia sconosciuta due astronavi, Argos e Galliot, compiono alcuni giri di ricognizione intorno al pianeta Aura per individuare la zona di atterraggio più conveniente. La luce nel sistema solare del pianeta sta spegnendosi, condannando Aura al buio eterno.
Le due navi spaziali sono guidate sul pianeta morente da un segnale radio costante, che fa supporre l'esistenza di un mondo intelligente. Il comandante della missione è Mark Markary (Barry Sullivan), il suo equipaggio è composto da diciotto membri, di cui sedici dalle fisionomie simili a quelle dei terrestri di sesso maschile, e le altre due quasi identiche agli esseri umani di sesso femminile; le due astronavi provengono da un mondo ignoto, tecnologicamente molto più evoluto della Terra.
Alla sesta orbita intorno al pianeta, inaspettatamente Argos viene risucchiata verso il centro di Aura, spinta da una forza di gravità incontrollabile, non prevista dai calcoli effettuati. Un po' prima dell'impatto la forza di caduta cessa consentendo alla nave un morbido atterraggio; quasi simultaneamente i componenti dell'equipaggio vengono colpiti da una strana forma di follia, passeggera ma dagli effetti drammatici, che sembra la premonizione di qualcosa di più grave.
Il comandante Mark, l'unico dell'equipaggio che appare mentalmente integro, viene aggredito inspiegabilmente dal suo stesso personale di bordo. Nella violenta colluttazione Mark ottiene la meglio ripristinando l'ordine.
Anche nell'altra astronave, Galliot, atterrata su Aura allo stesso modo della Argos, accadono fatti misteriosi: una forza ignota agisce sulla psiche degli astronauti tanto da costringere qualcuno ad uccidere.

Successivamente gli abitanti del pianeta Aura, che non sono visibili agli spettatori - perché percepibili solo a certe condizioni, vale a dire in una situazione spaziale particolare tra gli estremi di uno spettro luminoso insolito composto da frequenze che gli occhi dei componenti dei due equipaggi non riescono a percepire - entrano nei corpi degli astronauti morti rianimandoli.
I cosidetti aurani cercano di impossessarsi delle due astronavi e raggiungere il pianeta da cui proviene l'equipaggio, cosa che consentirebbe loro la salvezza, cioè il godimento di un sole duraturo in grado di fornire una luce stabile e intensa.

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Recensione ST. ELMO'S FIRE

2011-12-06T16:16:00.000+01:00

Recensione st. elmo's fire

Regia di Joel Schumacher con Andie MacDowell, Martin Balsam, Joyce Van Patten, Mare Winningham, Andrew McCarthy, Ally Sheedy, Judd Nelson, Demi Moore, Rob Lowe, Emilio Estevez

Recensione a cura di Peter Lyman

"Jules, tesoro.. Senti, qui non c'è niente di vero, lo sai che cos'è? E' un fuoco di St. Elmo... Lampi, scariche elettriche che appaiono come dal nulla nel cielo nero... I marinai li usavano come guida, pensa! Ma nei fuochi di St. Elmo non c'è nessun fuoco e non c'è neanche St. Elmo! Se l'erano inventato... Se l'erano inventato pensando di averne bisogno per tirare avanti quando andava tutto storto, un po' come te, che ti inventi queste scene... Eh ci passiamo tutti, siamo in età di tensione..."

Sette attori protagonisti: tre direttamente da "The Breakfast Club", due agli esordi, il nuovo idolo delle ragazzine Rob Lowe e una "quasi" affermata Demi Moore.
Generazione Brat Pack per eccellenza, il cast scelto da Joel Schumacher risultò perfetto per denotare una generazione di adolescenti che, costretti ad abbandonare i momenti idilliaci che caratterizzarono il loro mondo al college, devono affrontare la realtà degli adulti: lavoro, casa, famiglia.
Sette ragazzi: ognuno di loro ha pregi, difetti e la voglia repressa di qualcosa di più. Alec, divenuto un uomo di successo in politica, è apparentemente il più responsabile e vorrebbe sposarsi con la sua fidanzata Leslie, ma quest'ultima è ancora insicura. Dal canto suo Wendy è sicura su tutto ciò che deve fare e determinata, tuttavia sembra essere afflitta da qualcosa. Kirby insegue perdutamente innamorato la dottoressa che con uno sguardo cambiò la sua vita, mentre Kevin, scrittore "maledetto", non crede nemmeno più nell'amore e a quanto pare nessuna donna lo attrae. Per Jules, sempre allegra ed esuberante, la vita altro non è che un mega party e Billy, che non riesce a trovare un lavoro stabile, sogna ancora con nostalgia le giornate passate al college, mettendo da parte ogni responsabilità e osannando i vecchi tempi negli eccessi.

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Recensione L'ULTIMO TERRESTRE

2011-12-05T16:20:00.000+01:00

Recensione l'ultimo terrestre

Regia di Gianni Pacinotti con Gabriele Spinelli, Anna Bellato, Roberto Herlitzka, Teco Celio, Stefano Scherini

Recensione a cura di K.S.T.D.E.D.

Quella italiana è al solito una situazione a se stante. Ogni qualvolta ci si ritrova davanti ad una pellicola meritevole - o tale anche solo in apparenza - risulta necessario procedere per sottrazione. Bisogna sottrarre, nello specifico, la percentuale di entusiasmo post-visione dovuta all'essersi trovati davanti una proposta insolita per il nostro cinema. Il classico "interessante, se si considera che è italiana".
È frustrante ma al tempo stesso inevitabile, perché strettamente correlato alle aspettative, che proprio in quanto tali sono ingovernabili. Si creano, settandosi su livelli molto bassi quando si tratta di un film di genere italiano, e se quest'ultimo è anche solo sufficiente vien fuori qualche complimento di troppo. È parere di chi scrive che l'esordio alla regia di Pacinotti rientri pienamente nel quadro appena descritto.

Quella raccontata è la storia di Luca Bertacci (Gabriele Spinelli).
Abbandonato dalla madre in tenera età è ancora alle prese con la gestione del trauma e delle sue conseguenze. Vive tra il suo lavoro al Bingo, qualche visita al padre e qualcun'altra alle prostitute. Innamorato della sua vicina e in attesa, come tutti, dello sbarco annunciato degli alieni sulla terra.
"L'ultimo terrestre" è Luca Bertacci.
Al netto del protagonista, infatti, si fa fatica a trovare aspetti capaci di sostenere la pellicola. Ce ne sono, ma fini a se stessi, quali alcune scelte tecniche singolarmente prese, o altre che comunque ruotano attorno al personaggio principale.
È in particolar modo la sceneggiatura a non mostrarsi interessante in termini di evoluzione: non mostra, né suggerisce, né avrà al termine un punto d'arrivo che dia una direzione. E se c'è è davvero molto debole. Sembra quasi che Pacinotti abbia investito tutto il suo impegno nel personaggio e nel risultato tecnico-estetico, non preoccupandosi di rendere interessante quanto raccontato.

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Recensione ORWELL 1984

2011-12-05T16:17:00.000+01:00

Recensione orwell 1984

Regia di Michael Radford con Richard Burton, John Hurt, Suzanna Hamilton, Cyril Cusack, Gregor Fisher, James Walker, Andrew Wilde, David Trevena, Corinna Seddon, David Cann, Peter Frye, Roger Lloyd-Pack, Anthony Benson, Martha Parsey, Rupert Baderman

Recensione a cura di peucezia

Una sala cinematografica, immagini color ocra che si susseguono sul grande schermo, il pubblico che si incendia: siamo a Londra nel 1984, una data fittizia perché nell'immaginario di Orwell, il grande scrittore inglese da cui è tratto il film l'anno è ricavato dall'inversione di 1948, ovvero l'anno in cui lo scrittore diede alle stampe questo capolavoro distopico, con un occhio al regine nazista e l'altro a quello stalinista, lui che era socialista ma contrario ai totalitarismi di ogni colore.

Il romanzo antiutopico di George Orwell, fintamente ambientato nel futuro, è una denuncia contro il potere totalitario che mette un piede sulla libertà materiale e spirituale dei cittadini.

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Recensione TWILIGHT SAGA: BREAKING DAWN - PARTE 1

2011-12-02T18:16:00.000+01:00

Recensione twilight saga: breaking dawn - parte 1

Regia di Bill Condon con Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Ashley Greene, Peter Facinelli, Michael Sheen, Anna Kendrick, Kellan Lutz, Jamie Campbell Bower, Maggie Grace

Recensione a cura di atticus (voto: 3,0)

Ci siamo! Finalmente è tutto pronto per il matrimonio dell'anno. Ma no, non William e Kate d'Inghilterra, antichi... Edward Cullen, il vampiro buono e romantico, impalma con gioia la sua mortale Bella Swan dopo tre film e qualche peripezia.
La tetra pulzella non vede l'ora di coronare il suo sogno d'amore, se non fosse che la notte fa un incubo in cui i Cullen le fanno fuori l'intera famiglia durante la cerimonia. Ma si sa, sono sciocchi nervosismi da sposina e quindi: «Sì Edward, lo voglio!» e il peggio è già passato.

Il ricevimento è un po' tedioso, si sente la mancanza di un wedding planner adeguato all'occasione, soliti saluti benaugurali degli invitati, una squinzia gelosa di Bella disserta sulla pettinatura di Edward ("bellicapelli" lo chiama, che simpatia), il papà e la mamma fanno i piagnoni, i vampiri fingono disinvoltura.
Ma ecco spuntare dalla radura selvaggia un uomo di Neanderthal: ma è Jacob, il lupacchiotto vanitoso! Bella gli salta addosso radiosa e gli confessa che ha intenzione di possedere carnalmente il suo amato vampiro nonché fresco marito durante la luna di miele; «Ti uccideràààà!» sbotta il licantropo fisicato, ma la ragazza è decisa nel suo intento e non ha intenzione di farsi rompere le uova nel paniere da nessuno.

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Recensione SUPERMAN

2011-12-02T00:00:00.000+01:00

Recensione superman

Regia di Richard Donner con Marlon Brando, Gene Hackman, Christopher Reeve, Ned Beatty, Jackie Cooper, Glenn Ford, Trevor Howard, Margot Kidder

Recensione a cura di antoniuccio (voto: 10,0)

Ideato sul finire degli anni '30 da due studenti nordamericani (uno statunitense e l'altro canadese), già sulle pagine dei fumetti della DC Comics, Superman incarnava un misto perfetto di ideali, forza e mistero, che in brevissimo tempo fece breccia nel cuore degli americani.
Produrre, scrivere e dirigere il film su un personaggio intoccabile, costituiva una vera sfida. Il precedente creato dalla serie televisiva, resa celeberrima dall'attore George Reeves che rappresentò per i giovani dell'epoca un vero e proprio idolo, costituiva un muro insormontabile. Il rischio di un flop di quelli che rovinano per sempre una casa cinematografica era reale e per molto tempo il progetto attese in un cassetto.

Come più volte accade, per demolire antiche paure, a volte, occorre un outsider: per Superman ve ne furono due, provenienti – per l'epoca – davvero da un altro mondo; Aleksander e Ilya Salkind erano padre e figlio russi (sebbene Ilya fosse nato nel Messico), e non possedevano tutto questo timore reverenziale verso il personaggio. Si rivolsero a Richard Donner, il quale, con carta bianca, diede un taglio personalissimo alla storia da trasferire sul grande schermo.

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Recensione ANONYMOUS

2011-12-01T16:32:00.000+01:00

Recensione anonymous

Regia di Roland Emmerich con Rhys Ifans, David Thewlis, Vanessa Redgrave, Jamie Campbell Bower, Joely Richardson, Derek Jacobi, Xavier Samuel, Rafe Spall, Vicky Krieps, Edward Hogg

Recensione a cura di atticus (voto: 4,5)

Chi fu l'autore delle straordinarie opere letterarie attribuite a William Shakespeare, il più grande commediografo di tutti i tempi? Sullo sfondo della torbida Inghilterra elisabettiana si consuma l'atroce dilemma che, nei secoli, ha fatto versare fiumi d'inchiostro alle più illuminate menti del campo (tra gli altri, anche Dickens e Mark Twain).
Il mistero sul Bardo di Stratford upon Avon, sulla sua vita oscura e sulla sua produzione letteraria così repentinamente ascesa al clamore del successo popolare, ha nutrito una folta schiera di fantasiosi cospirazionisti che lo vorrebbero come mero prestanome per un gruppo di scrittori intimiditi dalla forza contestataria dei propri lavori; c'è però chi ne individua ponderati natali messinesi e chi ancora ne farebbe la copertura, studiata e lautamente pagata, di illustri politici dalla vena poetica crudelmente repressa, causa il dileggio di teatro e teatranti dell'epoca che mal si addiceva a lignaggi di rango.
Ed è proprio a partire da quest'ultima ipotesi che "Anonymous" apre il suo sipario, suggerendo uno Shakespeare lercio, infame e ignorante, di contro al defraudato autore di "Amleto" e "Machbeth", il duca di Oxford Edward de Vere, inviso a corte per una lontana passione con la giovane regina Elisabetta ed ora tormentato da un matrimonio di ripiego e da una irrefrenabile impellenza poetica destinata a rimanere celata.

Il film di Roland Emmerich, temporaneamente in ferie dai cataclismi naturali che l'hanno visto trionfare in sala negli ultimi anni, vorrebbe sfruttare l'innegabile fascino del complotto organizzato attorno ad una delle personalità letterarie più amate di sempre, mettendo l'autore (de Vere) al centro di una tipica tragedia morale shakespeariana.
Peccato che le premesse iniziali vengano subito tradite da una sceneggiatura inutilmente frammentaria e confusionaria costruita su più piani temporali, involontariamente complice di una meccanicità situazionale che trasforma il film in un assurdo polpettone in costume in cui le suggestioni teatrali si perdono in un'idea del genere più vicina agli schemi di una soap opera di grana decisamente grossa.

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Recensione TAMARA DREWE - TRADIMENTI ALL'INGLESE

2011-12-01T16:18:00.000+01:00

Recensione tamara drewe - tradimenti all'inglese

Regia di Stephen Frears con Gemma Arterton, Dominic Cooper, Luke Evans, Tamsin Greig, Roger Allam

Recensione a cura di 1819 (voto: 7,5)

La campagna inglese è davvero bella, un contesto ideale per innumerevoli opere, letterarie o cinematografiche che siano. Quel paesaggio bucolico, regolare come i campi di cui è costituito o i filari d'alberi a frapporsi tra di essi, regala una certa serenità d'animo, una pace interiore difficilmente riscontrabile altrove. E' altresì vero che non siamo in una favola dei fratelli Grimm e come tutte le cose reali anche questo ambiente ha i suoi lati negativi. Il villaggio teatro dell'opera è un insieme di casette e fattorie sperduto nel nulla, quasi un mucchietto di sassi che la mano di un gigante ha lanciato nel verde sterminato. Le giornate sono scandite da azioni consuete e prevedibili, tutti si conoscono, e anche a distanza di vent'anni dalla residenza si è considerati stranieri.
E' chiaro che un luogo del genere offre un deciso contrasto interiore, un ossimoro esistenziale che nelle sue varianti più estreme ed esasperate costituisce la base nonché l'aspetto più interessante del film in questione.

Bisogna ammettere l'impegno nel descrivere la storia; non si tratta di un semplice susseguirsi di eventi, ma di uno e più intrecci tra loro collegati che costituiscono una struttura complessa e inscindibile, proprio per questo carica di fascino.
La situazione iniziale al villaggio, del cui contesto abbiamo già parlato, è quella di un gruppo di persone eterogeneo: troviamo un gruppo di scrittori - per lo più falliti - dediti alla stesura dei loro rispettivi romanzi. C'è la signora di mezza età che insegue il sogno della pubblicazione di una sua opera, la sclerotica che narra delitti lesbici, il pensionato che nel concentrarsi indossa il cappello non ammettendo disturbo, e infine Glenn, un accademico americano che vive di malinconia e scrive sì e no due parole al giorno. Tutti questi soggetti sono ospiti di Nicolas, scrittore di un certo successo e della moglie Beth, devota e abile casalinga.
Dunque, Tamara giunge in paese e già possiamo parlare di un evento, date le premesse. Non è nuova del posto, lo ha frequentato per anni e con ricordi non proprio piacevoli. E' decisa a vendere la casa appartenuta ai genitori, non sentendo più legami con quella terra.
Appena arrivata incontra Andy, il giardiniere di Beth, nonché bello del villaggio, col quale aveva avuto una fugace relazione anni orsono, giusto il tempo per rivangare ricordi quasi svaniti.
Dopo un breve periodo di permanenza, la ragazza cambia idea e si lascia trasportare dal clima favorevole, dedicandosi totalmente alla sua attività di giornalista, in questo favorita dalla tranquillità campagnola. Durante una trasferta per intervistare Ben, l'eccentrico batterista degli Swipe, teen band da poco conto, Tamara si innamora di quest'ultimo, cominciando una relazione decisamente movimentata soprattutto agli occhi dei compaesani, turbati dallo scuotersi della consuetudine. Non ha fatto però i conti con Jody, una ragazzina disposta a tutto pur di incontrare Ben, suo idolo. Nel mentre Nicolas continua spudoratamente a tradire la moglie, riservandole da bravo romanziere le scuse più assurde, che lei ingenua fatica a percepire.
Inutile dilungarsi più del dovuto, magari rovinando la sorpresa a qualcuno. Di fatto i personaggi fin qui citati avranno modo durante il corso degli eventi di reinventare le loro relazioni in maniera bizzarra e imprevedibile, disorientando lo spettatore.

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Recensione TOWER HEIST: COLPO AD ALTO LIVELLO

2011-11-30T16:33:00.000+01:00

Recensione tower heist: colpo ad alto livello

Regia di Brett Ratner con Ben Stiller, Eddie Murphy, Matthew Broderick, Casey Affleck, Téa Leoni, Michael Peña, Gabourey Sidibe, Alan Alda, Judd Hirsch, Nina Arianda

Recensione a cura di pompiere (voto: 8,0)

"Ho sempre avuto un sentore misto a fascino e repulsa per il gioco degli scacchi. Infervorato dalle regole, ho creduto di poter naturalmente ambire a risultati strabilianti muovendo quegli adorabili pezzi da una casella all'altra, superando il mio avversario con sistematica abilità. E invece... non avevo fatto i conti con la complessità e gli intrecci delle mosse possibili e ho finito per perdere pedoni in gran quantità, e poi torri, alfieri, cavalli. Una disfatta dopo l'altra. Ma, e di questo sono fiero, ho sempre difeso la regina a spada tratta. Non l'avrei mai sacrificata, per niente al mondo. Solo adesso mi rendo conto che, per vincere la partita, avrei potuto benissimo immolarla".

Josh Kovacs (Ben Stiller) e Arthur Shaw (Alan Alda) giocano a scacchi online. Il primo stira i panni da solo e macina il caffè alla mattina, il secondo nuota in una piscina coi dollari (vedere per credere) ed è il proprietario di un attico spaziale: un alloggio di lusso in quel di New York per un magnate della finanza, all'interno di una "Tower" (chiamata nel film "La Torre") che affitta e vende abitazioni, e che mette al servizio dei clienti personale qualificato e devoto. Una mattina qualcuno tenta di rapire il signor Shaw. Ed è da questo punto che prende il via una delle più avvincenti partite a scacchi cinematografiche.
Ci sono almeno due "coppie" all'interno del film: quella tra Stiller (direttore del personale del grattacielo) e Alan Alda (il suo capo), e quella tra lo stesso Stiller e il redivivo Eddie Murphy, nei panni di un delinquente senza quei sorrisi perseveranti da "Beverly Hills Cop".
Entrambe trovano il loro giusto equilibrio, tra le esigenze di una miccia narrativa attendibile e una sospensione di incredulità da action comedy. Numerose e incalzanti inquadrature ci catapultano in un gradevole intreccio che oscilla tra la risata più pura in stile sitcom (battute improvvise accompagnate da appariscenti gesti attoriali) e necessarie prove di abilità psicofisiche, cucite addosso a personaggi più che ordinari.

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Recensione L'UOMO CHE SAPEVA TROPPO

2011-11-30T16:31:00.000+01:00

Recensione l'uomo che sapeva troppo

Regia di Alfred Hitchcock con James Stewart, Doris Day, Brenda De Banzie, Bernard Miles, Ralph Truman, Daniel Gélin, Mogens Wieth, Christopher Olsen, Reggie Nalder, Carolyn Jones

Recensione a cura di antoniuccio (voto: 10,0)

"A single crash of cymbals and how it rocked the lives of an American family".

Benjamin e Jo McKenna sono una coppia di americani in viaggio con il loro piccolo Hank. Lui è un chirurgo dell'ospedale del Buon Samaritano a Indianapolis, lei è la famosa Jo Conway, una cantante di musical che ha lasciato il palcoscenico per formare famiglia. Approfittando di un convegno a Parigi, la famigliola coglie l'occasione per visitare un po' di Europa e di paesi del Mediterraneo, giungendo prima a Casablanca e poi a Marrakech in Marocco.

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Recensione THE LIMITS OF CONTROL

2011-11-29T16:52:00.000+01:00

Recensione the limits of control

Regia di Jim Jarmusch con Bill Murray, John Hurt, Tilda Swinton, Gael García Bernal, Isaach De Bankolé, Paz de la Huerta

Recensione a cura di K.S.T.D.E.D.

Ennesima pellicola di Jim Jarmusch ed ennesima conferma di quella creatività rivolta all'atipico che caratterizza e rende particolarmente riconoscibile il suo cinema.
Questa volta, tuttavia, la differenza è sostanziale. La pellicola non solo propone storie e personaggi per l'appunto atipici, ma propone un'atipicità cosciente di sé, la rende protagonista quale fulcro di una sceneggiatura rigorosamente singolare. Un Jarmusch che parla di se stesso e del proprio cinema, in un prodotto che si pone al tempo stesso come atto d'accusa, difesa e sfogo.

Un uomo (Isaach de Bankolé), in un bagno d'aeroporto, effettua esercizi di rilassamento e meditazione. Quest'uomo ne incontra altri due, di cui uno è un interprete. Gli viene descritto un qualche tipo di lavoro, ma con frasi e modi tra i quali si fa fatica a scorgere quella logica che il protagonista, tuttavia, sembra afferrare, seppur in un modo tutto suo.
Questo è l'inizio del film, non si può aggiungere molto altro, non perché si rischierebbe di svelare troppo ma semplicemente perché non c'è nient'altro da aggiungere.

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Recensione IL MURO DI GOMMA

2011-11-28T16:36:00.000+01:00

Recensione il muro di gomma

Regia di Marco Risi con Antonello Fassari, Laura Rossi, Ivo Garrani, Angela Finocchiaro, Corso Salani

Recensione a cura di Giordano Biagio

Il 27 giugno del 1980 alle ore 20,59, l'aereo DC-9-Itavia, con la sigla di volo HI 870 impiegato nella tratta di linea Bologna-Palermo, precipita tra Ustica e Ponza, nel mar Tirreno, con 81 persone a bordo. Nessuno sopravvivrà al terribile impatto.
A 31 anni dall'evento le cause della tragedia rimangono in buona parte misteriose. Il lavoro delle varie commissioni d'indagine e della magistratura, svolto dal 1980 in poi, non è approdato ad alcuna certezza. Non si è andati oltre qualche ipotesi, a volte sostanziosa, in altri casi labile. Le congetture più fantasiose sono state frutto dei numerosi depistamenti delle indagini messi in atto da personaggi oscuri legati a poteri politici e militari di origini anche internazionale.

Le ipotesi più note sono tre:
1) cedimento strutturale dell'aereo per probabile corrosione della struttura di base, causata da sale marino: un logoramento dei metalli di sostegno principale dell'aereo avvenuto presumibilmente quando il DC 9 veniva usato per il trasporto di prodotti ittici.
2) Una battaglia in cielo tra caccia di diverse nazioni, Libia, Francia, Stati Uniti, con possibile lancio per errore di un missile aria-aria nella direzione sbagliata che impatta casualmente sul DC 9, transitante in quel momento nelle vicinanze della zona di combattimento.
3) Uno scontro accidentale ma fatale tra l'aereo dell'Itavia e un caccia straniero.
L'ultima sentenza della magistratura è recente, del 10 Settembre 2011, competente la Procura di Palermo: riguarda il processo per una causa civile.
Il verdetto dei giudici è sorprendente, essi decidono la condanna del Ministero dei Trasporti e della Difesa a un risarcimento alle vittime di 100 milioni di Euro, con la motivazione che i due organi di governo si sono dimostrati negligenti nella prevenzione del disastro. Il cielo, che quella sera aveva un intenso traffico aereo, non era stato controllato a dovere dai radar italiani, sia civili che militari, in parte spenti o mal funzionanti. Inoltre i due ministeri, così come viene scritto nella sentenza, risultano colpevoli di aver ostacolato, in diverse occasioni, le indagini della magistratura.

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Recensione LA CANZONE DI CARLA

2011-11-25T16:39:00.000+01:00

Recensione la canzone di carla

Regia di Ken Loach con Robert Carlyle, Oyanka Cabezas, Scott Glenn, Salvador Espinoza

Recensione a cura di Mimmot

Dopo essere stato per anni il cantore appassionato dei proletari britannici, dopo aver narrato con grande partecipazione la guerra civile che nel 1936 insanguinò la Spagna, con "La canzone di Carla" Ken Loach rivolge la sua attenzione al Nicaragua e alla guerra che negli anni '80 oppose i Contras ai Sandinisti che, in seguito ad una rivoluzione popolare, avevano instaurato nel paese un sistema di ispirazione marxista.
Una guerra intestina fomentata dagli USA e dal loro braccio armato, la CIA, che appoggiava, attrezzava e addestrava i Contras nelle loro azioni di repressione, anche fra la popolazione civile, allo scopo di rimettere in piedi, perfino con un colpo di Stato, un governo locale collaborazionista gradito alle amministrazioni americane.
Naturalmente Ken Loach è dalla parte dei Sandinisti, naturalmente è dalla parte di un popolo che ha cercato di liberarsi da una pesante dittatura, naturalmente è dalla parte degli uomini e delle donne martoriati da una dura repressione a cui, in nome di un anticomunismo viscerale, si vuole imporre una "democrazia" che puzza di dollari e cocaina. Naturalmente è dalla parte di un paese che Pentagono e CIA, con il beneplacito della Casa Bianca, vogliono trasformare in un inferno asservito agli interessi grandi multinazionali americane.

La cinematografia hollywoodiana ha tentato varie volte di trattare il tema della situazione politica nell'America Latina e di tutto ciò di orrendo che capitava (o capita?) in quella parte del continente americano (colpi di stato, stragi di oppositori, desaparecidos, squadroni della morte, torture della polizia e dei corpi paramilitari), edulcorando la verità o non dicendola completamente, che è quella di un intero continente asservito totalmente alla politica USA e agli interessi delle grandi multinazionali di quel paese, traffico di stupefacenti compreso.
Anche film più impegnati come "Salvador" di Oliver Stone o "Romero" di Duigan, dove non si nascondono i rapporti tra CIA, Pentagono e Governi locali collaborazionisti (in genere frutto di colpi di stato d'ispirazione filoamericana) partono dalla premessa che quei rapporti, prettamente di natura locale, sono frutto di strategie di lotta al comunismo.
E invece "La canzone di Carla" quella verità la dice.
Dice che gli avvenimenti che negli anni '80 insanguinarono il Nicaragua non furono spontanei fenomeni locali di destra, di opposizione ad un governo comunista, ma creature esclusive dell'establishment capitalistico americano, da sempre timorosa dell'influenza dei comunisti sulla società statunitense e americana in genere.
"La canzone di Carla" la verità sui fatti accaduti in Nicaragua la dice, forse perchè non è un film hollywoodiano, o forse perchè regista, produttori, sceneggiatore e attori non temono il boicottaggio americano e le ritorsioni della USIA (United States Information Agency - Agenzia Federale USA di controllo della cinematografia, creata nel 1954 dal governo Eisenhower), forse perchè gente intellettualmente onesta che crede nella forza delle sue idee e non ha paura di manifestarle.

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Recensione MIRACOLO A LE HAVRE

2011-11-24T15:45:00.000+01:00

Recensione miracolo a le havre

Regia di Aki Kaurismaki con André Wilms, Kati Outinen, Jean-Pierre Darroussin, Elina Salo, Evelyne Didi, Quoc Dung Nguyen

Recensione a cura di paul (voto: 9,0)

Miracolo Kaurismaki. A 4 anni da "Le luci della sera" il regista finlandese torna sul grande schermo, e lo fa da grande Maestro.
Marcel Marx, un ex scrittore bohemmienne che ora fa il lustrascarpe, vive in un quartiere popolare di Le Havre, nord della Francia, insieme alla moglie Arletty e la cagnetta Laika.
Un giorno casualmente incontra Idrissa, un ragazzino di colore giunto clandestinamente in Francia attraverso un container e scappato dai controlli della polizia. Marcel, nonostante le ingenti difficoltà economiche, si promette di far arrivare Idrissa in Inghilterra, dove vive la madre.Nel frattempo però deve affrontare anche l'improvvisa malattia della moglie.

"Miracolo a Le Havre" è una favola dickesiana, ma anche stile Frank Capra (e che cita, già dal titolo, "Miracolo a Milano", indimenticabile film sui barboni meneghini Palma d'oro a Cannes nel 1951): non solo nei contenuti, ma anche nella delineazione della storia, seppure il riferimento dostojevskiano non manca mai.
I poveri cristi, gli ultimi, i perdenti: è da loro che può ripartire la società. La "società delle formiche" prevista più volte da Ingmar Bergman, forse avrà già attecchito nel nostro Occidente, ma tra le classi più abbienti, non tra i poveri.
E' non è un caso che Kaurismaki ambienti la storia in Francia: "Libertè! égalité! fraternité!". Forse i primi due motti non sono espressi nel racconto, ma il terzo di sicuro.

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Recensione TROLL 2

2011-11-24T13:05:00.000+01:00

Recensione troll 2

Regia di Claudio Fragasso con Michael Stephenson, Connie McFarland, George Hardy, Margo Prey, Robert Ormsby, Deborah Reed

Recensione a cura di Edgar Allan Poe (voto: 7,5)

Spesso le scoperte scientifiche avvengono per caso. E' ben più raro, però, che un bel film si faccia per caso. "Troll 2" è uno di questi.

Scritto dalla coppia Claudio Fragasso-Rossella Drudi, è un horror abbastanza strano e molto artigianale.

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Recensione HEIMAT

2011-11-23T15:03:00.000+01:00

Recensione heimat

Regia di Edgar Reitz con Dieter Schaad, Michael Lesch, Gertrud Bredel, Marita Breuer

Recensione a cura di elio91 (voto: 9,5)

Potremmo ridurre il significato della parola tedesca" Heimat" in italiano con Patria. In realtà è qualcosa di ben più profondo e significativo di un sentimento patriottico: scava a fondo nelle radici, nel senso di comunità. È il luogo nativo da cui tutti partono e in cui tutti, irrimediabilmente e senza eccezioni, ritornano.

È anche il nome di una delle opere più imponenti di sempre del cinema tedesco, pensata, scritta e diretta da Edgar Reitz. Un film diviso in tredici parti che affronta la storia della Germania dal 1919 al 1982 attraverso la vita di un paesino dell'Hunsruck di nome Schabacch, paese inventato, anche se dalle origini profonde nella biografia di Reitz, che da un posto simile è partito per Monaco ad iniziare la sua carriera di regista.
Certo, strutturare qualcosa di tanto complesso richiede tempo e bravura: ambizioso fino all'inverosimile per quello che vorrebbe rappresentare, il film dura quasi ben 16 ore suddivise in 13 capitoli.
Attenzione però a non confondere lo stile di "Heimat con quello di una qualsiasi serie tv dei giorni nostri, in quanto è cinema allo stato puro che non ha paura di sperimentare: dal bianco e nero che passa al colore, fino alle musiche splendide e sperimentalii di Mamangakis), Reitz riesce a dettagliare gli episodi, rendendoli quasi autoconclusivi, ma, in quanto capitoli di un romanzo più vasto, vanno ovviamente intesi nell'opera d'insieme. E non deve stupire questo riferimento alla letteratura, se lo stesso regista ha affermato più volte di aver preso spunto da essa per concepire questo suo progetto.

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Recensione LE AVVENTURE DI TINTIN: IL SEGRETO DELL'UNICORNO

2011-11-22T17:25:00.000+01:00

Recensione le avventure di tintin: il segreto dell'unicorno

Regia di Steven Spielberg con Daniel Craig, Cary Elwes, Jamie Bell, Simon Pegg, Andy Serkis, Nick Frost, Tony Curran, Mackenzie Crook, Toby Jones, Daniel Mays

Recensione a cura di JackR

"Le Avventure di Tintin - Il Segreto dell'Unicorno" è un film che solleva nello spettatore più accorto molti dubbi e lo obbliga sostanzialmente a considerare la propria opinione su vari aspetti della tecnica cinematografica contemporanea e dell'industria del film in generale, prima di emettere un giudizio.
Steven Spielberg, Peter Jackson, il 3D, l'animazione, la performance capture, l'opera originale di Hergè, i compromessi delle trasposizioni in film di opere concepite per altri media: solo una riflessione su ciascuno di questi aspetti, presi uno per uno, consente di formulare un giudizio su un film che nasce dalla loro convergenza e che offre un'occasione più unica che rara per analizzare lo stato del cinema di intrattenimento, in particolare quello americano. Anticipando la conclusione della nostra riflessione, "Le Avventure di Tintin" è un capolavoro mancato, perchè, sebbene quasi ineccepibile dal punto di vista tecnico, sostanzialmente non cerca la chiave per risuonare in tutte le fasce di pubblico.
E' un film per ragazzi: non per cinefili, non per spettatori occasionali, forse nemmeno (necessariamente) per fan del fumetto.

Andiamo in ordine cronologico: i fumetti di Hergè. Pubblicati tra il 1929 ed il 1986, i ventitré libri (più uno incompleto) di Tintin hanno venduto centinaia di milioni di copie e sono stati tradotti in decine di lingue, dando luogo a diverse trasposizioni radiofoniche, animate e cinematografiche prima di quella di Spielberg, oltre che a numerosi studi letterari e qualche polemica (sterile) sul presunto razzismo di Hergè per la sua rappresentazione spesso ingenua delle altre culture.

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Recensione I DIABOLICI

2011-11-21T15:35:00.000+01:00

Recensione i diabolici

Regia di Henri-Georges Clouzot con Véra Clouzot, Paul Meurisse, Simone Signoret, Michel Serrault, Charles Vanel

Recensione a cura di Ciumi (voto: 8,0)

A fondo di quell'acque, torbide, gelide, chiuse, fisse ad affogare la prima inquadratura, cosa, che in superficie pare quasi sardonico brilli, ribollisce, che non aggalla? La musica, lì si esaurisce. Abbandona le immagini. Sino ai titoli di coda; dove, solo allora, riemergerà, come avendo trattenuto il respiro, impotente e siccome soffocata.
Il tema dell'acqua scorre per tutto l'arco del film, ma caustico, aridamente. Nei suoi innumerevoli travasi, nei suoi gonfiori improvvisi, nei suoi corsi sotterranei; simbolo di quel ciclo oscuro che, attraverso vasi segreti, i nostri sentimenti comanda. Ne fa parte quella metafora fulminea: la barchetta di carta in una pozzanghera lasciata a galleggiare da un qualche bambino, schiacciata dall'automobile di lui che torna, nel cortile del collegio. Ci introduce al pessimismo misantropico dell'opera e del suo autore.

Appena un anno dopo l'uscita di un altro vertice nella filmografia del regista, "Vite vendute", Clouzot nel 1954 firma quello che oggi rimane probabilmente il più noto dei suoi film, tratto dal romanzo "Les diaboliques. Celle qui n'était plus" di Pierre Boileau e Thomas Narcejace, e che gli varrà l'appellativo di "Hitchcock francese"...
Lo stile sobrio, ma non per questo privo d'invenzioni registiche, in contrasto con la torbidezza degli argomenti trattati, è notevole per la capacità con cui l'autore sa creare un clima di suspense che, in queste due opere, passa dal genere avventuroso al thriller. Come anche notevoli sono la modulazione dei tempi narrativi, non sempre convenzionali agli schemi classici, e la direzione degli attori, la caratterizzazione dei personaggi o la precisione con cui vengono curati i dialoghi. Ma al cospetto di tali aspetti tecnici non riusciamo a non considerare come primo ciò che vi sta alla base, i greti che dietro a essi si sollevano, i ruvidi deserti morali ed esistenziali che costituiscono il mondo di Clouzot.
Cinico, violento, sporco, crudele ben oltre i limiti del sadismo; la sua indagine del male, prima che sociologica, parte da un'acuta osservazione dell'individuo. I suoi personaggi - gli uomini, tutti nessuno escluso - vengono osservati nei loro comportamenti più crudi, più vili: sono amanti in fuga ("Manon"); loschi concittadini ("Il corvo"); uomini corrotti, individui sfruttati, spesso profughi, esistenze in attrito tra loro e con l'ambiente circostante; vite che si muovono in scenari squallidi, ostili, che siano essi urbani, naturali, esotici, bellici; esistenze disperate, cannibali, votate al fallimento, immischiate in intrighi irrisolvibili, morse tra un passato oscuro e un avvenire ancora più nero, attirate dentro miraggi che si prosciugano.
Se pensiamo proprio a "Vite vendute", nel torrido e polveroso limbo di un remoto paese dell'America latina, l'autore raccoglieva, a confronto con la popolazione locale, svariate etnie, uomini di diversa estrazione culturale, ma li ritraeva nei medesimi atteggiamenti: ferocia, egoismo, vigliaccheria, avidità e assieme spossatezza, stessi erano i fili che li animavano e come dadi li lanciavano, in una corsa spietata di tutti contro tutti, verso una meta a cui - quale veramente? - nessuno arrivava; mentre altrove si festeggiava e si ballava crudelmente. Non a caso l'introduzione, dove i personaggi venivano presentati e approfonditi uno ad uno, stabiliva, per durata, una sorta di primato nella storia del cinema.
Un discorso analogo si può ripetere per "I diabolici": nella periferia parigina, in un collegio (critica alle istituzioni? alla classe agiata cui fanno parte i diabolici del titolo? non propriamente), egli raccoglie e accomuna: direttrice, maestri, bidelli, bambini; diverse età, diversi ceti sociali, assieme, a bollire.

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Recensione UNA FARFALLA CON LE ALI INSANGUINATE

2011-11-18T13:28:00.000+01:00

Recensione una farfalla con le ali insanguinate

Regia di Duccio Tessari con Helmut Berger, Giancarlo Sbragia, Ida Galli, Silvano Tranquilli, Lorella De Luca, Carole André

Recensione a cura di Giordano Biagio

A Bergamo, in una giornata di primavera, un noto giornalista televisivo, Alessandro Marchi (Giancarlo Sbragia), offre un passaggio in automobile alla bella studentessa francese Françoise Pigaut (Carole Andrè), di 17 anni, che cammina di fretta mentre piove. Il giornalista accompagna la ragazza al parco, dove ha un appuntamento con un uomo.
I due arrivano sul luogo con un certo anticipo, Marchi, desideroso di conoscere meglio Francois, coglie l'occasione per proporle una passeggiata.
In seguito la ragazza verrà trovata uccisa nel parco: sul corpo, rotolato lungo un breve pendio, verranno riscontrate diverse lacerazioni, tagli profondi inferti con un coltello a serramanico.
Alessandro Marchi sarà l'unico imputato dell'omicidio; è privo di un alibi e durante la fuga dal luogo del delitto è stato visto in volto da una donna che sostava in automobile con l'amante nella stradina interna al parco.

Marchi viene condannato all'ergastolo, nonostante l'arguta difesa di Giulio (Gunther Stoll), ottimo avvocato, suo amico.
Giulio, in realtà, è convinto della colpevolezza del giornalista ed è contento di aver perduto la causa poiché è l'amante di Maria (Ida Galli), moglie di Alessandro, con la quale potrà finalmente vedersi alla luce del sole.
La giovane figlia di Maria, Sarah (Wendy D'Olive), si sente attratta da un giovane contestatore, Giorgio (Helmut Berger). La donna ha avuto il primo approccio con Giorgio per caso, tra i vicoli di Bergamo, a seguito di una brusca frenata della sua automobile che stava per investirla: dopo la paura provata i due hanno sorriso e deciso di rivedersi.
Maria conosce Giorgio fin dall'adolescenza, trascorsa insieme a Bergamo, ma non ha avuto una vera occasione per fare amicizia. Giorgio in tribunale darà una testimonianza a favore dell'imputato, dicendo di aver visto, il giorno dell'omicidio, un uomo in fuga dal parco, nei pressi dell'uscita, il cui aspetto non corrispondeva affatto a quello di Alessandro Marchi. Forse Giorgio ha mentito, per scagionare il padre di Sarah.
I due giovani finiscono per iniziare una relazione ma senza una passione duratura; Giorgio dopo l'atto d'amore con Sarah appare nervoso, turbato, tanto da proporre alla donna di non vedersi per un po' di tempo.

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Recensione ONE DAY (2011)

2011-11-17T15:41:00.000+01:00

Recensione one day (2011)

Regia di Lone Scherfig con Anne Hathaway, Jim Sturgess, Patricia Clarkson, Romola Garai, Jamie Sives, Jodie Whittaker, Georgia King, Rafe Spall, Ken Stott, Amanda Fairbank-Hynes

Recensione a cura di pompiere (voto: 6,5)

"Se a St. Swithin ti piove in testa, vedrai vedrai vedrai... che qualcosa resta".

E' un piovoso 15 Luglio (giorno di festa in Inghilterra) del 1988. Emma e Dexter (Anne Hathaway e Jim Sturgess) si sono appena laureati, e trascorrono insieme una notte apparentemente uguale a tante altre. Invece la ciclicità di questo giorno profetico sarà fondamentale durante il corso delle loro intere vite.

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Recensione A DANGEROUS METHOD

2011-11-16T15:15:00.000+01:00

Recensione a dangerous method

Regia di David Cronenberg con Michael Fassbender, Keira Knightley, Viggo Mortensen, Vincent Cassel, Sara Gadon, Katharina Palm, André Dietz, Andrea Magro, Bjorn Geske, Christian Serritiello

Recensione a cura di Gianluca Pari aka VincentVega1

"Non penso mai ai miei film del passato quando ne giro uno nuovo. Anzi, ho sempre voglia di dimenticarli tutti"

Il regista David Cronenberg, durante un'intervista al Festival del Cinema di Venezia 2011, usa queste parole per descrivere il suo metodo di lavoro. Parole che sembrano smentite da chiunque conosca il suo percorso cinematografico, fatto di rimandi ai suoi film passati e di tematiche affini, diretti a scarnificare la natura stessa dell'essere umano e a rivoltare metaforicamente la sua pelle per mostrarne gli organi. In effetti però "A Dangerous Method" trova una differenza sostanziale da tutte le sue opere precedenti: l'assenza totale di esplosione della violenza e di sequenze disturbanti. Un taglio su uno zigomo, sangue del primo amplesso su una sottoveste e sbobba d'ospedale come viscere umane sono le uniche immagini riconducibili alla carriera di un regista che ha fatto del body horror il suo lasciapassare per entrare nell'entourage degli autori.

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Recensione KUNG FU PANDA 2

2011-11-16T15:11:00.000+01:00

Recensione kung fu panda 2

Regia di Jennifer Yuh con Jack Black, Angelina Jolie, Jackie Chan, Seth Rogen, Lucy Liu, David Cross, Gary Oldman, Jean-Claude Van Damme, Dustin Hoffman, Michelle Yeoh, Victor Garber, James Hong

Recensione a cura di JackR

Lo spudorato approccio commerciale di DreamWorks all'animazione, che portava a film fatti di molta tecnica e pochissimo cuore, ha portato negli anni milioni di dollari di incassi nelle casse della major statunitense, ma più bocciature che applausi da parte della critica internazionale. Dopo "Shrek", nessun film DreamWorks ha avuto la stessa carica, la stessa voglia di rottura con il passato, la stessa qualità. Si sono scelte strade comode e infantili, con il conforto del ritorno economico: "Kung Fu Panda" non ha fatto eccezione.
Tecnicamente eccelso, era di una banalità sconfortante (non aiutata da un pessimo Fabio Volo scelto per l'edizione italiana) per chiunque non mirasse ad un Happy Meal contenente uno dei personaggi del film.

Da "Dragon Trainer" in poi, però, il vento è cambiato: "Kung Fu Panda 2" resta un prodotto essenzialmente destinato ad un target diverso – ad esempio – da "Up", ma come film di puro intrattenimento si può solo applaudire ad un tale miglioramento rispetto al primo episodio.
Po (Jack Black, bravissimo) protegge la Cina in qualità di guerriero Dragone, mentre si allena per cercare la pace interiore e completare il suo addestramento di kung fu. Quando nella città di GongMen il malvagio pavone Shen torna a rivendicare a suon di cannonate il regno da cui era stato esiliato anni prima, Po e i cinque guerrieri devono affrontare un nemico che con la sua letale arma minaccia non solo la Cina, ma anche lo stesso significato del kung fu.

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Recensione SCIALLA!

2011-11-15T15:59:00.000+01:00

Recensione scialla!

Regia di Francesco Bruni con Fabrizio Bentivoglio, Filippo Scicchitano, Barbora Bobulova, Vinicio Marchioni, Giuseppe Guarino, Prince Manujibeya, Arianna Scommegna

Recensione a cura di peucezia

Tra Bruno e Luca ci sono troppe differenze: l'età è la prima, perché il primo è un quasi sessantenne canuto e stanco mentre l'altro ha tutta la grintosa vitalità dei suoi quindici anni; uno sembra essersi ritirato dalla vita trincerandosi nel suo bell'appartamento a scrivere biografie per i famosi poco letterati (l'ultima della serie è la ex pornostar Tina, casa in campagna con domestica filippina, pianoforte a coda e figlio con modi da studente di Eton) e a far ripetizioni decisamente controvoglia, l'altro sogna di fare il boss, guarda dalla finestra durante le lezioni della severa docente di italiano e adopera quasi esclusivamente il gergo giovanile metropolitano (scialla, la parola che dà il titolo al film significa stai sereno).
Eppure i due hanno in comune i geni e, complice una coabitazione inizialmente decisamente subita, impareranno a vivere, a capire e a capirsi.

Ennesima pellicola sulle relazioni tra due generazioni distanti e sul classico adolescente che scantona e poi cresce per entrare nel mondo degli adulti, "Scialla!" riesce ad emergere e a segnalarsi grazie al tono leggero mantenuto per tutto il film (complice anche la colonna sonora disseminata di canzoni rap in giovanil-romanesco) e soprattutto per lo stato di grazia dei due coprotagonisti Fabrizio Bentivoglio e l'esordiente Filippo Scicchitano, che dà vita al suo Luca senza nessuna sbavatura.

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Recensione THIS MUST BE THE PLACE

2011-11-14T15:09:00.000+01:00

Recensione this must be the place

Regia di Paolo Sorrentino con Sean Penn, Frances McDormand, Tom Archdeacon, Shea Whigham, Harry Dean Stanton, Joyce Van Patten, Kerry Condon, Judd Hirsch, Seth Adkins, David Byrne, Eve Hewson, Simon Delaney, Gordon Michaels, Robert Herrick, Tamara Frapasella, Sarab Kamoo

Recensione a cura di Stefano Santoli (voto: 7,0)

Cheyenne, cerone e capelli che fanno il verso in maniera un po' troppo marcata a Robert Smith dei Cure (il vero nome del personaggio sarebbe, tra l'altro, proprio Smith… almeno non Robert ma John), è un'ex popstar che vive in un vuoto pneumatico, in una sospensione al ralenti dell'esistenza che in qualche modo è analoga, per quanto meno radicale, a quella del Titta di Girolamo di "Le conseguenze dell'amore".
L'imprinting di base del personaggio di Cheyenne è quello tipico dei protagonisti dei film di Sorrentino. Eccentrico e pieno di idiosincrasie (si pensi a quante esilaranti opportunità aveva offerto in questo senso la figura di Andreotti!), la differenza rispetto ai precedenti, è che Cheyenne appare meno meschino (anche se Sorrentino in fondo ci aveva fatto provare un po' di simpatia persino per il suo Andreotti, così come per il repellente ma buffo Geremia de "L'amico di famiglia"). Ma qui, dopo un po', lo spettatore smette decisamente di provare fastidio per un personaggio tanto "deviato" come Cheyenne, e ad affezionarsi a lui, riconoscendo la tenerezza del suo non esser mai cresciuto. In questo aiuta l'amore materno della moglie, interpretata da una splendida Francis McDormand (la cui presenza come attrice non è l'unico rimando al cinema dei Coen). In breve, lo spettatore comincia presto a vedere la realtà (anche) dal punto di vista di Cheyenne, e a trovare un senso nelle sue stravaganze.

Tante parole si sono spese sulle divergenze e differenze fra il "film americano" di Sorrentino, e il suo cinema precedente. In realtà non c'è un punto di rottura significativo.
E d'altra parte l'argomento dei detrattori di questo "This must be the place" è spesso proprio il fatto che Sorrentino, con un espressionismo descrittivo raffinato, invece di innovarsi, si avvierebbe a un compiacimento formale di maniera (una maniera personale, s'intende), povero di idee e di contenuti.
Noi non siamo completamente d'accordo. Non è vero che "This must be the place" sia povero di contenuti. E' vero, sì, che appare un'opera più lieve e solare, rispetto alla precedente filmografia, ma con questo apporta un cambiamento nella poetica del suo autore. Nel disincanto puro, nel cinismo un po' beffardo, si apre il varco una timida umanità. "This must be the place" è (semplicemente) un racconto di formazione, in cui un adolescente fuori tempo massimo, un adulto senza eredi e senza prospettive ricomincia a immaginarsi un posto nel mondo.

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Recensione IL PAESE DELLE SPOSE INFELICI

2011-11-11T15:37:00.000+01:00

Recensione il paese delle spose infelici

Regia di Pippo Mezzapesa con Aylin Prandi, Rolando Ravello, Valentina Carnelutti, Antonio Gerardi, Luca Schipani, Teresa Saponangelo, Nicola Rignanese, Gennaro Albano, Vincenzo Leggieri, Roberto Corradino, Nicolas Orzella

Recensione a cura di Jellybelly (voto: 7,5)

Da ormai troppi anni il cinema italiano versa in stato comatoso, ed il successo di registi come Sorrentino e Garrone serve appena a mascherarne le reali difficoltà. Ormai da tempo siamo ai margini della cinematografia europea, scavalcati non solo da Gran Bretagna, Francia e Germania ma anche dalla new wave spagnola e dal suo (spesso ottimo) cinema di genere, ed i nostri tentativi di produrre cinema di qualità, quando non sono affidati alle iniziative dei singoli (di nuovo, si vedano le eccellenti carriere di Sorrentino e Garrone, ma anche di Crialese) o al mestiere di registi di lunga esperienza (come Bellocchio o Moretti), si traducono in prodotti goffi e pretenziosi, dalle sconcertanti quanto vacue pretese autoriali. In questi termini, l'edizione 2011 del Festival Internazionale del Film di Roma è stato un'amara cartina di tornasole: accoglienze tiepide per quasi tutti i film italiani in concorso, ed in particolar modo per "La kryptonite nella borsa" di Cotroneo ed "Il mio domani" di Marina Spada, e non sono state risparmiate critiche aspre anche ad esperti cineasti come Montaldo ed Avati, in concorso con "L'industriale" ed "Il cuore grande delle ragazze".

In un tale contesto ha però fatto capolino un prodotto della Fandango di Procacci (guardacaso mentore dei succitati Sorrentino, Garrone e Crialese), senza clamori, senza squilli di tromba, senza effetti speciali sul red carpet: "Il paese delle spose infelici", esordio cinematografico nella fiction per il giovane regista pugliese Pippo Mezzapesa.

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Recensione NESSUNO MI PUO' GIUDICARE

2011-11-10T15:48:00.000+01:00

Recensione nessuno mi puo' giudicare

Regia di Massimiliano Bruno con Paola Cortellesi, Raoul Bova, Rocco Papaleo, Anna Foglietta, Caterina Guzzanti, Dario Cassini, Massimiliano Bruno, Giovanni Bruno, Hassani Shapi, Valerio Aprea, Lucia Ocone, Awa Ly, Pietro De Silva, Raul Bolanos, Maurizio Lops, Massimiliano Delgado

Recensione a cura di peucezia

"Nessuno mi può giudicare" cantava Caterina Caselli a fine anni Sessanta rivendicando la libertà di azione fino ad allora negata ai giovani e soprattutto alle donne.
Quel "canto libero", lontano richiamo all'evangelico "Chi è senza peccato scagli la prima pietra", ritorna nel film omonimo interpretato da Paola Cortellesi e Raoul Bova.

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Recensione DUNE

2011-11-09T17:25:00.000+01:00

Recensione dune

Regia di David Lynch con Kyle MacLachlan, Sean Young, Francesca Annis, Max Von Sydow, Brad Dourif, Freddie Jones, Jack Nance, Alicia Witt, Sting, Dean Stockwell, Patrick Stewart, Virginia Madsen, Silvana Mangano, Linda Hunt, José Ferrer, Richard Jordan

Recensione a cura di Giordano Biagio (voto: 8,0)

Nell'anno 10191 l'Universo conosciuto, con imperatore Padishah Shaddam IV, è sconvolto da cruente contese per il possedimento di una preziosa materia prima. La tensione è alta. Si formano complotti e congiure in alcuni pianeti: Arrakis (o Dune, sede dei Fremen uomini dagli occhi blu), Caladan (casata Atreides), Giedi Prime (casata Harkonnen), Kaitain (sede dell'imperatore), Iics (sede della Gilda). I conflitti diventano via via esplosivi a causa del venir meno di ogni garanzia sull'approvvigionamento della spezia-melange, essenza naturale di inestimabile valore presente nel pianeta Dune, la cui estrazione è messa in pericolo dall'insorgere dei Fremen, un popolo religioso in attesa del Messia (Il Mahdi), assetato di giustizia, che vive nel deserto sottomesso al crudele barone Vladimir della casata degli Harkonnen abitanti del pianeta Giedi Prime.

La spezia-melange è una sostanza gassosa di color arancione, una risorsa prodigiosa dalle elevate proprietà, tra le quali l'allungamento della vita, l'annullamento dello spazio tra un corpo celeste e l'altro che la Gilda gestisce consentendo viaggi interplanetari senza mezzi propulsivi, e il miglioramento delle facoltà precognitive in chi ne viene a contatto.

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Recensione IL CUORE GRANDE DELLE RAGAZZE

2011-11-08T16:57:00.000+01:00

Recensione il cuore grande delle ragazze

Regia di Pupi Avati con Micaela Ramazzotti, Cesare Cremonini, Gianni Cavina, Andrea Roncato, Sydne Rome, Patrizio Pelizzi, Gisella Sofio, Stefania Barca

Recensione a cura di JackR

L'unica dote di Carlino Vigetti (Cesare Cremonini), primogenito di Adolfo (Andrea Roncato), è un alito che profuma naturalmente di biancospino con il quale conquista le ragazze del paese.
Il proprietario del terreno coltivato dai Vigetti, Sisto Osti (l'immancabile Gianni Cavina), acconsente, seppur riluttante, a dare in sposa una delle sue figlie nubili e ben poco appetibili al giovane Carlino, pur di vederne sistemata almeno una. In cambio di una moto Guzzi e del prolungamento del contratto di mezzadria, Carlino acconsente al matrimonio, finché non conosce la bellissima Francesca (Micaela Ramazzotti), figliastra di Osti, e decide piuttosto di sposarsi con lei invece di scegliere tra le due zitelle, promettendo persino di astenersi dalle tentazioni.
Nonostante il parere contrario di tutti i genitori e qualche intoppo, i due convolano finalmente a nozze, ma l'astinenza forzata gioca a Carlino e Francesca un brutto scherzo...

Pupi Avati è legato ad alcune tematiche fondamentali: l'amicizia, la famiglia, i tempi della sua giovinezza. Il suo cinema migliore (da "Regalo di Natale" in giù) insiste su queste tematiche, in tono leggero o drammatico, raccontando storie che potrebbero appartenere ai ricordi di chiunque. Il suo modo di raccontare e filmare riflette l'attaccamento e la gratitudine nei confronti delle cose che nella sua vita hanno contato di più. Non è un caso che, quando si è allontanato da qualcosa a cui tiene veramente (un esempio: "Il figlio più piccolo"), i risultati siano –mediamente –meno convincenti.

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Recensione IL PRIMO INCARICO

2011-11-07T15:02:00.000+01:00

Recensione il primo incarico

Regia di Giorgia Cecere con Isabella Ragonese, Francesco Chiarello, Alberto Boll, Miriana Protopapa, Rita Schirinzi, Bianca Maria Stea Lindholm, Vigea Bechis Boll, Antonio Fumarola, Antonia Cecere

Recensione a cura di peucezia

Anni Cinquanta. Italia meridionale. Salento.

Nena, una diciannovenne di estrazione piccolo borghese, riceve la tanto attesa lettera di incarico all'insegnamento: lettera attesa perché coronamento di tanti anni di studio e sacrificio, perché non c'è un uomo in famiglia a mantenere lei, la madre e la sorellina, perché lavorare vuol dire essere indipendenti e autonome; ma vista con timore, perché il lavoro porta all'inevitabile allontanamento dalla vita di fanciulla, la porta a entrare nel mondo e ad andare via dal suo idillio romantico con un efebico giovanotto ricco e fragile, prigioniero di una dimora dorata e di una famiglia tutta tè, biscottini e discorsi da colonie britanniche.

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Recensione LA KRYPTONITE NELLA BORSA

2011-11-04T15:22:00.000+01:00

Recensione la kryptonite nella borsa

Regia di Ivan Cotroneo con Luigi Catani, Valeria Golino, Cristiana Capotondi, Luca Zingaretti, Libero De Rienzo, Massimiliano Gallo, Nunzia Schiano, Antonia Truppo, Giulia Pica, Vincenzo Nemolato, Fabrizio Gifuni, Monica Nappo

Recensione a cura di JackR

Napoli, 1973: Antonio (Luca Zingaretti), Rosaria (Valeria Golino) e il piccolo Peppino sono il centro di una famiglia allargata che comprende i tre fratelli di lei e i nonni, più il cugino Gennaro (Vincenzo Nemolato) che pensa di essere Superman e che muore tragicamente investito da un autobus.
Quando Rosaria scopre che Antonio la tradisce, cade in depressione e mentre la famiglia cerca di aiutarla, Peppino scopre che non basta un autobus per uccidere Superman: Gennaro continua a vegliare su di lui e a dargli consigli su come affrontare la crescita.

Ivan Cotroneo non è il primo e non sarà l'ultimo a prestare il proprio talento al cinema pur non essendo prevalentemente un regista. Con alterne fortune, musicisti, scrittori, persino stilisti, hanno provato a mettersi dietro la macchina da presa (o peggio, davanti) per raccontare in maniera diversa dal solito le proprie storie. Da Luciano Ligabue a Madonna, da Tom Ford a Enrico Brizzi, non sempre si può dire che lasciare la strada vecchia per la nuova sia stato un bene, nonostante alcune incredibili sorprese. "La Kryptonite nella borsa" decisamente ci fa propendere per un pronto ritorno di Cotroneo alla penna e al calamaio, e per più di un motivo.

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Recensione FAHRENHEIT 451

2011-11-04T12:32:00.000+01:00

Recensione fahrenheit 451

Regia di Francois Truffaut con Oskar Werner, Julie Christie, Cyril Cusack, Anton Driffing

Recensione a cura di Giordano Biagio (voto: 9,0)

In un grigio, feriale pomeriggio londinese, il giovane pompiere Montag (Oscar Werner), di ritorno dal lavoro, incontra su un treno futurista Clarisse (Juile Christie), una ragazza di 20 anni, insegnante, sua vicina di casa; la donna, dapprima esitante, tenta poi con Montag un approccio verbale, in una forma confidenziale che mette l'uomo in imbarazzo. Il pompiere si appassionerà gradualmente a Clarisse e diventerà, oltre che un fedele amico, un focoso epigono del pensiero più filosofico di lei.

Da tempo a Londra, i pompieri,anziché spegnere gli incendi, li appiccano, a volte procurando alla popolazione civile traumi spaventosi. Il lavoro di Montag consiste nel distruggere con il fuoco tutti i libri stampati, in ottemperanza a ordini provenienti dallo stato maggiore del governo; ma l'operazione di annientamento è gigantesca, difficile da attuare fino in fondo, senza che si generi qualche pericolosa sommossa, i libri infatti sono presenti dappertutto anche nelle case di persone appartenenti a ordini e ceti sociali, che non hanno ideologie coincidenti con quelle del potere.

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Recensione IL MIO DOMANI

2011-11-03T10:20:00.000+01:00

Recensione il mio domani

Regia di Marina Spada con Claudia Gerini, Raffaele Pisu, Claudia Coli, Lino Guanciale, Paolo Pierobon, Enrico Bosco

Recensione a cura di Stefano Santoli (voto: 2,0)

Monica non sa sorridere. E' sola, lavora a Milano, ha un padre che vive in campagna.
Con questo padre ha un rapporto alienato e anaffettivo, come con gli uomini che la circondano.

La vita di Monica è un malinteso irrisolto: ma lei quando il film comincia non lo sa ancora (come non lo sa il povero spettatore, anche se poi, quando questi lo capisce, il film prosegue ostinatamente con lo stesso ritmo mortuale).

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Recensione WARRIOR

2011-11-02T15:15:00.000+01:00

Recensione warrior

Regia di Gavin O'Connor con Nick Nolte, Tom Hardy, Joel Edgerton, Jennifer Morrison, Kevin Dunn, Frank Grillo, Kurt Angle, Jake McLaughlin

Recensione a cura di JackR

Tommy Conlon (Tom Hardy), ex-marine, torna a casa dal padre Paddy (Nick Nolte), suo allenatore ai tempi di una promettente carriera giovanile nella lotta, per chiedergli di allenarlo di nuovo in vista di Sparta, un importante torneo di Mixed Martial Arts che mette in palio una borsa di cinque milioni di dollari.
Il rancore di Tommy nei confronti di Paddy – che con i suoi problemi di alcolismo aveva costretto Tommy e sua madre ad una disperata fuga da casa anni prima – è pari solo a quello nei confronti del fratello Brendan (Joel Edgerton), ritenuto colpevole di averlo abbandonato al suo destino per restare con la sua ragazza, Tess (Jennifer Morrison).
Brendan, che nel frattempo si è costruito una famiglia con Tess e lavora come professore di fisica, decide di tornare sul ring degli incontri clandestini per evitare il pignoramento della casa.
Quando Brendan riesce ad iscriversi a Sparta e ad avanzare nel torneo contro ogni aspettativa, la resa dei conti tra i due fratelli diviene inevitabile, mentre Paddy cerca disperatamente un'ultima occasione di redenzione e le sorprendenti motivazioni d Tommy vengono finalmente alla luce.

A volte è più semplice definire un film per quello che non è: "Warrior" non è un film sulle arti marziali e non è un film sul riscatto sociale attraverso lo sport, genere tanto caro al cinema americano che, pur riuscendo ancora a generare ottimi prodotti come "The Fighter", ha detto da tempo tutto quello che aveva da dire. Per quanto sorprendenti queste affermazioni possano sembrare, una volta visto il film si capisce che Gavin O'Connor ha continuato nello stesso solco di "Pride and Glory" (2008): l'esplorazione delle dinamiche familiare in condizioni estremamente particolari, mascherando il tutto da film di genere.
Il film con Ed Norton e Colin Farrell era una storia di corruzione che dilaniava una famiglia di poliziotti, "Warrior" è la drammatica storia delle vite parallele di due fratelli segnati da un padre alcolista e violento, che si ritrovano faccia a faccia dopo tanti anni su un ring dal quale nessuno può uscire sconfitto.

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Recensione IL BOOM

2011-10-31T12:13:00.000+01:00

Recensione il boom

Regia di Vittorio De Sica con Maria Grazia Buccella, Gianna Maria Canale, Alberto Sordi

Recensione a cura di foxycleo (voto: 7,0)

Nel 1957, in seguito alla comparsa della Fiat 500, lo sciame degli autoveicoli in Italia ebbe una crescita vorticosa, tanto che portò il Bel Paese a essere il quarto in Europa come mercato automobilistico dopo Gran Bretagna, Francia e Germania.
L'Italia è dunque un paese ben inserito nel sistema occidentale di mercato. All'inizio degli anni Sessanta l'utilizzo dei mezzi di trasporto privati aveva di gran lunga superato quello dei mezzi pubblici, provocando, già da allora, forti congestioni del traffico nelle principali città. Il mutamento delle condizioni di vita verso una sfera consumistica oltre che nelle autovetture era evidente dall'acquisto degli elettrodomestici, delle abitazioni e dei beni che erano pubblicizzati da Carosello (in onda a partire dal 1957).

Nel 1963 esce nelle sale cinematografiche "Il Boom", regia di Vittorio De Sica con soggetto e sceneggiatura di Cesare Zavattini. Protagonista della commedia è Alberto Sordi che aveva già sperimentato ruoli tragicomici ("La grande guerra" di Mario Monicelli, "Il Vedovo" di Dino Risi e altri ancora), qui nel ruolo di Giovanni Alberti, un imprenditore edile soffocato dai debiti a causa del suo fallimento lavorativo e del suo oneroso stile di vita.
Giovanni è un uomo molto innamorato della moglie, che soffre il continuo assillo di poterla un domani deludere a livello economico. Giovanni non è esattamente come gli amici più che benestanti frequentati da lui e dalla moglie, amici con cui trascorre serate all'insegna della musica, della buona tavola e dei liquori d'importazione; egli finge davanti a tutti di non avere problemi finanziari e lo fa per assecondare l'amata compagna ormai avvezza a tale stile di vita. Pian piano però l'assenza di guadagni e l'ombra sempre più vicina dei debiti inizieranno a rendere questa sua "recita" come un qualcosa di impossibile da protrarre nel tempo.
Resa palese la sua reale condizione, Giovanni è lasciato solo da tutti, amici e famiglia. Si ritrova quindi all'affannosa ricerca di un aiuto per uscire da quel buco nero che ha inghiottito guadagni e affetti. A un certo punto intravede una soluzione; infatti durante un'ennesima ricerca di sostegno per un proprio aleatorio progetto incontra la moglie di uno stravagante imprenditore (il signor Bausetti), affetto da una grave menomazione a un occhio. Questa signora si offre di prestare a Giovanni tutto il denaro di cui necessita in cambio di una, a detta di lei, semplice operazione chirurgica. Tale intervento dovrebbe avere l'esito di donare la cornea di Giovanni all'attempato uomo d'affari. Questa condizione appare immediatamente all'Alberti fuori da ogni senno logico, per poi però ripensarci a causa dell'enorme sentimento di mancanza della moglie e degli amici.

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Recensione MELANCHOLIA (2011)

2011-10-28T14:03:00.000+02:00

Recensione melancholia (2011)

Regia di Lars von Trier con Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Kirsten Dunst, Charlotte Rampling, Udo Kier, Stellan Skarsgård, Alexander Skarsgård, John Hurt, Brady Corbet

Recensione a cura di Carlo Baldacci Carli (voto: 8,0)

"Ho deciso allora di conoscere la sapienza e la scienza, come anche la stoltezza e la follia e ho compreso che anche questo è un inseguire il vento, perché molta sapienza, molto affanno: chi accresce il sapere, aumenta il dolore."
Libro di Qoelet

Prima di procedere con l'analisi di questo film è doveroso fare una premessa. Capita purtroppo assai frequentemente che i trailer di un film, studiati per attrarre il pubblico in sala, siano fuorvianti o addirittura nocivi al film stesso. Questo è stato sicuramente il caso dell'ultima opera di Lars von Trier, che ha subito un grave nocumento proprio a causa della pubblicità stessa che le è stata fatta. Pertanto si invita chi ancora non avesse visto né il film né il suo trailer a visionare "Melancholia" senza neppure sapere di che cosa tratti e senza leggere quanto segue.

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Recensione BAR SPORT

2011-10-27T16:07:00.000+02:00

Recensione bar sport

Regia di Massimo Martelli con Claudio Bisio, Angela Finocchiaro, Giuseppe Battiston, Lunetta Savino, Antonio Catania, Bob Messini, Antonio Cornacchione, Teo Teocoli, Vito, Roberta Lena, Aura Rolenzetti, Leo Mantovani, Gianpiero Impastato, Alessandro Giampaoli

Recensione a cura di peucezia

Nel 1976 esce il primo libro di Stefano Benni, intitolato "Bar Sport" e grazie allo stile innovativo e alla surreale ironia diventa immediatamente un classico.
Dopo oltre trent'anni il regista Massimo Martelli trasforma le parole in immagini nell'omonimo film uscito nell'autunno 2011.

Un pugno di attori ormai onnipresenti nella commedia all'italiana più "colta", da Giuseppe Battiston a Claudio Bisio ad Angela Finocchiaro, sono chiamati a dar vita ai mitici personaggi delle storie di Benni.
Il compito di Martelli è di per sé arduo: trasformare il nonsense abilmente narrato sulla carta stampata in altrettanto efficaci immagini non è affatto semplice.

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Recensione FIGLI DELLE STELLE

2011-10-26T18:05:00.000+02:00

Recensione figli delle stelle

Regia di Lucio Pellegrini con Pierfrancesco Favino, Fabio Volo, Giuseppe Battiston, Claudia Pandolfi, Paolo Sassanelli

Recensione a cura di peucezia

Nonostante il titolo il film non si occupa né di fantascienza né degli anni Settanta ("Figli delle stelle" fu un successo discografico di Alan Sorrenti nel 1978).

L'azione si svolge ai giorni d'oggi: una morte sul lavoro, un operaio partecipa a una trasmissione televisiva, uno dei soliti talk show di cui è piena la nostra tv gridata di oggi e si scontra con il ministro del Lavoro, arrogante e pieno di sé, eventualmente di destra.
Deluso dalle non risposte, il poveretto, un Fabio Volo tenero come il suo accento del nord est, incontra un precario della scuola, un vetero comunista fuori dal tempo, una giornalista idealista e un ex delinquente deluso dalla vita. Insieme progettano il rapimento del ministro balordo ma l'errore è in agguato e nella rete finisce un sottosegretario vittima anch'egli della casta.

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Recensione RIFF RAFF, MEGLIO PERDERLI CHE TROVARLI

2011-10-25T18:15:00.000+02:00

Recensione riff raff, meglio perderli che trovarli

Regia di Ken Loach con Robert Carlyle, Emer McCourt, Jimmy Coleman, Ricky Tomlinson

Recensione a cura di Mimmot

Fortemente critico della realtà sociale del suo paese, il regista inglese Ken Loach (conosciuto come "Ken il rosso"), dopo un periodo passato a girare cortometraggi per la tv, è tornato al cinema per farci un ritratto, realistico e inclemente, del mondo operaio e delle condizioni di vita dei lavoratori, nella disastrata Inghilterra ai tempi della Thatcher, attraverso la storia cruda, commovente, ironica e anche drammatica di un gruppo di operai edili durante il periodo del governo neoliberista della "Lady di ferro".
Un periodo che ha conosciuto impietose critiche da parte degli artisti più impegnati del Regno Unito (anche del campo musicale), che hanno saputo cogliere e denunciare le esplicite tensioni a livello politico e sociale che si stavano sviluppando nel paese.

Ken Loach, con la sua genuina carica ideologica, e coerente a un'idea di cinema documentaristico che lo ha portato ad interessarsi dei drammi del lavoro contemporanei, ha trovato così il modo di analizzare, con sguardo lucido, ironico e accorto, i risultati di un ciclo politico che ha prodotto un brutale ridimensionamento dello stato sociale, colpendo principalmente le classi meno abbienti della società inglese.
Ed è proprio ai suoi temi più cari che Loach fa ricorso per raccontarci una storia che parla di lavoro e di precarietà, di condizioni di lavoro estremamente deficitarie e di sfruttamento economico, ma anche di degrado ambientale e di squallore sociale.
Tutti temi ancora purtroppo attualissimi, perchè è triste constatare come la precarietà sia ancora aumentata, le garanzie sociali si siano ulteriormente ridotte e le morti sul lavoro siano ancora una bruciante, vergognosa realtà. E questo non solo Inghilterra, che ha un sistema di lavoro assolutamente diverso dal nostro e sicuramente migliore, ma in quasi tutto l'occidente e soprattutto da noi.

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Recensione L'UOMO CHE CADDE SULLA TERRA

2011-10-21T16:52:00.000+02:00

Recensione l'uomo che cadde sulla terra

Regia di Nicolas Roeg con Buck Henry, Rip Torn, Candy Clark, David Bowie, Bernie Casey

Recensione a cura di Giordano Biagio

Su un pianeta agonizzante, tecnologicamente molto progredito ma già del tutto desertificato, appartenente ad un altro sistema solare, grava una siccità che sconvolge ogni vita. Un giovane scienziato sopravvissuto a quel mondo in agonia giunge sulla Terra per tentare, con un piano scientifico in grado di utilizzare le risorse terrestri, una missione salvifica del proprio habitat.
La famiglia rimane in attesa, con ansia, del suo ritorno, nel deserto, opportunamente attrezzata.
L'astronave da lui pilotata cadrà in un lago situato a 2.850 metri di altezza, nei pressi del paese Haneyville, negli Stati Uniti, dove l'extraterrestre conta inizialmente di confondersi tra la gente.

Il suo nome è Thomas Jerome Newton (interpretato dalla rockstar David Bowie), la sua costituzione fisica è somigliante a quella umana ma gli occhi sono simili a quelli di un gatto, cosa che lo costringe a sovrapporre sui bulbi oculari due morbide fibre trasparenti riproducenti il normale cristallino degli occhi umani.
L'alieno, sfruttando nove brevetti che ha con sé, idonei a creare un nuovo mercato dell'elettronica, tecnologicamente molto più evoluto del preceden-te, riesce ad impiantare con l'aiuto di un legale esperto di brevetti, una multinazionale di elettronica, la World Enterprise, che in breve tempo raggiunge livelli di produttività e penetrazione commerciale di livello mondiale, con profitti sbalorditivi.
Acquisita una ricchezza ineguagliabile, Thomas si mette in contatto con uno scienziato di valore, Nathan Bryce, cui delega il compito di progettare un'astronave in grado di ricondurlo al pianeta natio e di trasportare con essa energia conservata sotto forma di idrogeno, necessaria per sconfiggere la desertificazione del suo habitat.

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Recensione GIANNI E LE DONNE

2011-10-20T17:31:00.000+02:00

Recensione gianni e le donne

Regia di Gianni Di Gregorio con Gianni Di Gregorio, Valeria Bendoni, Alfonso Santagata, Elisabetta Piccolomini, Valeria Cavalli, Aylin Prandi, Kristina Cepraga, Michelangelo Ciminale, Teresa Di Gregorio, Lilia Silvi, Gabriella Sborgi

Recensione a cura di peucezia

Dopo il grande successo della prima pellicola da regista, "Pranzo di Ferragosto", diventato già un classico, tanto da essere annualmente trasmesso da vari canali televisivi nella canonica giornata, Gianni Di Gregorio torna alla carica con questa nuova pellicola low cost, riportando sugli schermi alcuni degli interpreti dell'altro film (Valeria De Franciscis in primis nel ruolo della svampita madre "terribile").

Stavolta Gianni è un ex baby pensionato sessantenne (ex perché gli anni purtroppo passano) alle prese con la famiglia e le amicizie. Soffocato da una moglie iperattiva e ancora operativa e da una figlia un po' coatta, annichilito dall'anziana madre capricciosa ed egocentrica, il pover'uomo tenta un riscatto cercando un'avventura extraconiugale impossibile visto che tutti sembrano avere la meglio su di lui...

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Recensione PHILADELPHIA EXPERIMENT

2011-10-19T16:55:00.001+02:00

Recensione philadelphia experiment

Regia di Stewart Raffill con Michael Paré, Nancy Allen, Eric Christmas, Bobby Di Cicco

Recensione a cura di Giordano Biagio

James Longstreet, è un famoso fisico americano che nel corso della seconda guerra mondiale, precisamente nella fase cruciale del 1943 quando stavano per delinearsi le sorti del conflitto, effettua degli esperimenti sui campi magnetici, al fine di rendere invisibili le navi da guerra sugli schermi radar e favorire quindi la vittoria finale degli Stati Uniti sul nazismo.

L'esperimento di fisica, che sta alla base del film, viene denominato "Arcobaleno 1", per attuarlo è necessario collegare i cavi in uscita di un convertitore elettrico, che trasforma l'energia elettrica in campo magnetico, situato all'interno del cacciatorpediniere USS Eldridge, con la struttura metallica della nave.

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Recensione BREAD AND ROSES

2011-10-18T15:42:00.001+02:00

Recensione bread and roses

Regia di Ken Loach con Pilár Padilla, Adrien Brody, Elpidia Carillo, Jack McGee, George Lopez

Recensione a cura di Mimmot

"Io odio questo cazzo di paese: puliamo le loro case, gli facciamo trovare tutto pronto, cresciamo i loro figli e per loro è come se fossimo invisibili".

"We want bread and roses, too" è lo slogan vecchio di quasi cento anni, che ha accompagnato le lotte sindacali delle operaie del settore tessile di Lawrence (USA) del 1912.
Con questo slogan, successivamente ripreso negli scioperi sindacali dei lavoratori, le operaie di Lawrence oltre a condizioni di lavoro migliori (il pane) chiedevano anche condizioni di vita più dignitose (le rose).
Le manifestazioni delle donne di Lawrence, che marciavano cantando e con striscioni con su scritto lo slogan che le rese famose nel mondo, rappresentano uno dei momenti più importanti del movimento operaio americano.
Lawrence, nel Massachusetts, era un centro tessile molto importante e meta di un incessante flusso migratorio proveniente dal Nord Europa (soprattutto irlandesi, tedeschi e scozzesi) e successivamente, a partire dai primi anni '90 del XIX secolo, anche dal Sud e in particolare dall'Italia.
A Lawrence le paghe degli operai erano diversificate secondo la componente etnica di appartenenza, per cui agli italiani del Sud erano riservate le paghe più basse e le condizioni di vita peggiori.
Il grande sciopero del 1912 colpì molto l'opinione pubblica americana, diventando l'emblema delle lotte operaie e rappresentò l'inizio di un percorso che portò al riconoscimento di piena dignità e parità agli italiani, fino ad allora considerati servi dei padroni e crumiri.

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Recensione CARNAGE (2011)

2011-10-17T18:01:00.001+02:00

Recensione carnage (2011)

Regia di Roman Polanski con Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz, John C. Reilly

Recensione a cura di ferro84 (voto: 8,0)

In una società dove le sovrastrutture diventano l'unico elemento che conta, dove i rapporti umani altro non sono che una serie di convenzioni sociali, anche una piccola discussione tra genitori può diventare un'occasione per mettere a nudo la vera essenza dell'animo umano.

"Carnage" è la denuncia verso una società che forgia i suoi componenti secondo regole predefinite, nella paranoia del "politically correct" e del conformismo esasperante.
Ma che cosa accade quando improvvisamente cadono queste barriere? Ce lo prova a raccontare Roman Polanski in questo film intenso, semplice e tremendamente crudo.

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Recensione GORGO

2011-10-14T15:34:00.001+02:00

Recensione gorgo

Regia di Eugene Lourié con Bill Travers, William Sylvester, Vincent Winter

Recensione a cura di Giordano Biagio

Anni '50, Joe (Bill Travers) e Sam (William Sylvester), a bordo del battello Triton, sono a caccia di tesori sottomarini nei pressi dell'isola di Nara nel nord dell'Irlanda. Dopo l'individuazione nei fondali di un vecchio battello carico di preziosi, l'equipaggio assiste allibito alla formazione di un vulcano sottomarino che emerge velocemente in superficie con esplosive eruzioni. Il rigonfiamento dei fondali forma uno tsunami di tale altezza da mettere in seria difficoltà la stabilità della nave.

Costretti a rimanere nell'isola di Nara giusto il tempo per riparare l'elica e fare rifornimenti d'acqua, Joe e Sam sono testimoni di alcuni tragici episodi. Due sommozzatori vengono trovati morti, e in paese si dice che uno sia deceduto per aver visto qualcosa di spaventoso, l'altro perché attaccato da uno squalo. Una barca di pescatori esce in mare nella speranza di capire qualcosa di più sulle strane morti ma all'improvviso viene attaccata da una gigantesca creatura somigliante a un Iguanodon, un dinosauro realmente esistito; il mostro con la sua furia uccide un componente dell'equipaggio e getta nello sgomento gli altri.

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Recensione SUPER

2011-10-12T16:36:00.000+02:00

Recensione super

Regia di James Gunn con Rainn Wilson, Liv Tyler, Ellen Page, Kevin Bacon, Gregg Henry, Michael Rooker, Andre Royo, Sean Gunn, Stephen Blackehart, Linda Cardellini, Nathan Fillion, Edrick Browne

Recensione a cura di JackR

Frank (Rainn Wilson), cuoco di una tavola calda, conduce un'esistenza illuminata solo dalla bellissima moglie Sarah (Liv Tyler), ex tossicodipendente che ha trovato con lui un momento di stabilità in una vita turbolenta.
Quando Sarah lo abbandona per Jacques, un fascinoso spacciatore (Kevin Bacon) che la fa tornare nel tunnel nella tossicodipendenza, Frank, incoraggiato da visioni mistiche, decide di porre fine ai torti del crimine nei panni di Saetta Purpurea, vigilante mascherato e armato solo di una pesante chiave inglese.
Ben presto le cose si mettono molto male per Frank, che si ritrova inseguito dalla polizia e dagli uomini di Jacques, tutti perfettamente al corrente di una identità segreta non difficile da indovinare. In aiuto di Frank arriva Libby (Ellen Page), che decide di diventare la Saettina, nella miglior tradizione delle giovani spalle degli eroi dei fumetti.
Insieme a Libby, decisamente meno ispirata eticamente, Frank, stavolta armato fino ai denti, progetta un definitivo, disperato assalto alla tenuta di Jacques, per salvare Sarah.

Dal trailer, la storia del supereroe maldestro e senza poteri che si fa rubare la scena dalla spalla femminile potrebbe ricordare un po' quella di "Kick-Ass". Niente di più sbagliato. "Kick-Ass" è un "meta cine-comic", ma essenzialmente un film di supereroi, che ben presto lascia il suo apparente realismo per tornare nel mondo dei fumetti, distante da Spider-Man solo un morso di ragno.
"Super" è un'altra storia. "Super" è la tragedia di un uomo senza qualità e senza fortuna, la cui disperata reazione all'abbandono della moglie assume i toni di una farsa mascherata destinata a finire male sin dal primo momento.
E' evidente l'ironia insita nel titolo del film. Frank, di superiore alla media, non ha nulla, anzi.
Se le prime disavventure della Saetta Purpurea ricordano da vicino quelle di "Kick-Ass", e sono decisamente comiche, la storia prende una piega inaspettatamente cupa quando entra in scena Libby, che trascina il mite Frank dall'orlo della crisi di nervi ad alzare definitivamente ed incoscientemente il livello dello scontro con la banda di Jacques.
La complementarietà dei due personaggi e l'evidente tensione erotica che Libby tenta di... allentare e Frank di frustrare regala alcuni dei momenti più leggeri e riusciti del film, prima di un doppio colpo di scena finale decisamente inaspettato, ma in fondo giusto.

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Recensione LA PELLE CHE ABITO

2011-10-11T17:27:00.000+02:00

Recensione la pelle che abito

Regia di Pedro Almodovar con Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Blanca Suárez, Eduard Fernández, Fernando Cayo, José Luis Gomez, Jan Cornet, Bárbara Lennie, Isabel Blanco

Recensione a cura di Carlo Baldacci Carli (voto: 6,0)

"Noi interveniamo su quanto ci circonda!
La carne, gli abiti, i vegetali, la frutta... su tutto!"

Robert Ledgard (Antonio Banderas) è un rinomato chirurgo plastico che da alcuni anni, a causa delle tragedie familiari che si sono abbattute su di lui e che continuano a tormentarlo, ha abbandonato la sala operatoria per dedicarsi al campo della ricerca scientifica. Il suo scopo principale sembra essere quello di creare una pelle transgenica capace di resistere agli attacchi provenienti dal mondo esterno in maniera migliore e più efficiente rispetto alla pelle umana. In particolare Ledgard, che dopo una conferenza racconta come sua moglie sia morta carbonizzata in seguito a un incidente stradale, desidera creare una pelle capace di resistere alle alte temperature in modo da restituire un tessuto cutaneo agli ustionati e prevenire il ripetersi del danno.
Fin da subito risulta evidente che i metodi adottati dal chirurgo vanno ben al di là dei limiti imposti dalla bioetica.

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Recensione CONSPIRATORS OF PLEASURE

2011-10-11T15:12:00.000+02:00

Recensione conspirators of pleasure

Regia di Jan Svankmajer con Petr Meissel, Gabriela Wilhelmová, Barbora Hrzánová

Recensione a cura di Compagneros (voto: 9,5)

"Il mondo si divide in due categorie di diversa ampiezza... quelli che non hanno mai sentito parlare di Jan Švankmajer e quelli che hanno visto i suoi lavori e sanno di essersi trovati faccia a faccia con un genio."
Anthony Lane - "The New Yorker"

Jan Švankmajer è un regista ceco con quasi cinquant'anni di carriera alle spalle. In Italia, nonostante una sua recente partecipazione al Festival di Venezia, è praticamente sconosciuto perché i suoi lavori non sono distribuiti in alcun modo.
"Spiklenci Slasti" è un film del 1996 ed è il suo terzo lungometraggio. Il titolo, difficile da pronunciare, dice poco, meglio quello internazionale: "Conspirators of pleasure".
Tema fondamentale è il piacere, il piacere sensuale che si raggiunge con pratiche non convenzionali. Il film è muto, o meglio, è privo di dialoghi. C'è spesso della musica in sottofondo e si possono sentire tutti i rumori degli oggetti, caratteristica tipica dei lavori di Švankmajer.

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Recensione INFERNO NELLA STRATOSFERA

2011-10-10T15:38:00.000+02:00

Recensione inferno nella stratosfera

Regia di Ishiro Honda con Minoru Tekada, Horeya Senda, Elisa Richter, Ryo Ikebe, Kyoko Anzai, Minoru Takada, Koreya Senda, Len Stranford, Harold S. Conway, Elsie Richter, Hisaya Itoh, Yoshio Tsuchiya, Kozo Nomura

Recensione a cura di Giordano Biagio

Nel 1965 una gigantesca stazione spaziale, orbitante intorno alla Terra, diventa facile bersaglio da parte di alcuni dischi volanti guidati da extraterrestri molto ostili, provenienti dallo sconosciuto pianeta Natal. La lotta è impari, la distruzione dell'astronave terrestre è scontata ed è simultaneamente accompagnata sulla terra da strani fenomeni naturalistici, nonché da eventi di tipo psicologico che chiamano in causa alcune persone.

Alcuni raggi-segnale provenienti dallo spazio agiscono misteriosamente in parecchi punti critici dei vari territori delle nazioni. Essi sembrano avere due funzioni precise, coordinate da un punto indefinito dello spazio: da una parte i raggi annullano la forza di gravità nei luoghi scelti, utilizzando la tecnica del freddo assoluto (cosa che consente di sollevare ponti ferroviari, navi, e provocare improvvisi allagamenti di città come Venezia innalzandone le acque dei canali), dall'altra essi sono in grado di rendere schiavi di un'altra volontà alcuni scienziati e tecnici. Quest'ultimi, grazie a un microchip elettronico installato nel cervello attraverso la potenza incisiva dei raggi, eseguono ordini dettati dagli extraterrestri.

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Recensione IL VILLAGGIO DI CARTONE

2011-10-07T17:31:00.001+02:00

Recensione il villaggio di cartone

Regia di Ermanno Olmi con Michael Lonsdale, Rutger Hauer, Massimo De Francovich, Alessandro Haber

Recensione a cura di peucezia

Un vecchio prete, antico come l'istituzione che rappresenta, buttato come un cencio in una chiesa che sta morendo; uomini che entrano e smantellano le suppellettili del culto, impacchettano le statue, levano via l'altare, fanno scendere il Cristo crocifisso sconfitto e muto.

Comincia così il nuovo film di Ermanno Olmi girato a qualche anno di distanza da "Centochiodi" e ufficialmente suo rientro nel mondo del cinema dopo la decisione presa di un ritiro definitivo.

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Recensione SHUTTER

2011-10-07T15:29:00.001+02:00

Recensione shutter

Regia di Banjong Pisanthanakun con Ananda Everingham, Natthaweeranuch Thongmee, Achita Sikamana, Unnop Chanpaibool, Chachchaya Chalemphol, Samruay Jaratjaroonpong, Abhijati 'Meuk' Jusakul, Binn Kitchacho

Recensione a cura di pompiere (voto: 4,5)

"Shutter" (da oggi ribattezzabile "Sciatter", all'italiana, per sottolinearne la trasandatezza di contenuti) è una storia di fantasmi, proveniente dalla Thailandia. Approcciare il genere horror con un'ennesima vicenda che racconta di spettri non è di per sé facile: lo spettatore ormai smaliziato da un'infinita lista di visioni, più o meno fantastiche, sull'argomento ha consolidato le abilità previsionali, per cui è necessario sorprenderlo, spiazzarlo con qualcosa di nuovo. Il paese di produzione e i registi sembravano promettere bene: da quelle parti c'è una cultura di genere giusta che va dalla capacità di mettere in scena la vendetta così come il terrore, l'eleganza dell'immagine unita alle visioni mostruose.

Eppure... le speranze di assistere a qualcosa di originale e spaventoso vengono disattese quasi subito. Si parte da sequenze di vita comune intervallate da altre fatte di ombre misteriose che lasciano impronte sulle foto. Si prosegue con sogni premonitori (brutta bestia quando ci sarebbe la necessità di non anticipare troppo gli elementi della storia), con analisi mediche approssimative (che neanche il mio dottore personale riuscirebbe a osteggiare), riprese di flash al buio e attività di ricerca sugli spiriti e il loro perseguitare i vivi. L'attitudine sembrerebbe puntare su di una storia leggermente "ostica": prendere le distanze dal gore e dall'azione per avere miglior fortuna con le sottigliezze psicologiche (quello che avremmo desiderato!).

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Recensione DRIVE (2011)

2011-10-06T15:50:00.000+02:00

Recensione drive (2011)

Regia di Nicolas Winding Refn con Ron Perlman, Ryan Gosling, Christina Hendricks, Carey Mulligan, Oscar Isaac, Bryan Cranston, Albert Brook, Tina Huang, Joe Pingue, Cesar Garcia, Tiara Parker, James Biberi, Jeff Wolfe, Christian Cage

Recensione a cura di pompiere (voto: 6,0)

Un giovane senza nome si interessa al basket NBA. E non per ragioni sportive. Lo Staples Center di Los Angeles, città con oltre 100.000 strade, è un ottimo rifugio per confondersi con i tifosi all'uscita della partita e per sfuggire agli inseguimenti della polizia.
Il mestiere scelto dal trentenne dalla faccia pulita è piuttosto complicato: un driver, ovvero una specie di taxista in appoggio a rapinatori che da soli non saprebbero come fuggire col bottino, e allora richiedono le sue prestazioni. Anonime (perché usare tutte le volte un cellulare differente quando il lavoro sporco lo si fa senza coprirsi il volto?), silenziose (il Nostro non parla mai), chirurgiche (cinque minuti esatti è il tempo concesso per l'attesa in auto, prima della sgommata di congedo).

Lo chauffeur compassato (che per comodità di scrittura chiameremo Ryan, come l'attore che lo interpreta) non appartiene a nessuno. Il volto rasato al culmine del disincanto lo pone, socialmente accettabile, come meccanico in un'autofficina, alle dipendenze dello sciancato Shannon (Bryan Cranston), una sorta di padre putativo pronto a difendere Ryan e a sostenerlo con i mezzi che ha a disposizione.
Le auto permettono piccoli lavori di arrotondamento, come lo stuntman nelle più pericolose scene di inseguimento dei film, o il pilota nelle corse da competizione.

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Recensione SE SEI COSI', TI DICO SI'

2011-10-05T15:00:00.000+02:00

Recensione se sei cosi', ti dico si'

Regia di Eugenio Cappuccio con Emilio Solfrizzi, Belen Rodriguez, Iaia Forte, Fabrizio Buompastore, Totò Onnis, Gaetano D'Amore, Salvatore Marino, Roberto De Francesco, Gianni Colajemma, Pinuccio Sinisi, Manuela Morabito, Francesca Faiella, Vito Cassano, Lucia Lanzolla, Vincenzo Grassi

Recensione a cura di peucezia

Eugenio Cappuccio, dopo aver trattato garbatamente e causticamente del mondo dei tagliatori di teste con "Volevo solo dormirti addosso", torna a dirigere una pellicola dal titolo lungo e di non immediata comprensione, occupandosi del mondo dello show-biz nei suoi aspetti meno dorati.

Protagonista della storia è il personaggio di Piero Cicala (Emilio Solfrizzi), che ha cantato una sola estate (nomen omen) e ora dopo trent'anni è disilluso, stanco e intristito dall'incipiente vecchiaia e dalla non felice condizione economica.

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Recensione TERRAFERMA

2011-10-04T16:00:00.000+02:00

Recensione terraferma

Regia di Emanuele Crialese con Donatella Finocchiaro, Giuseppe Fiorello, Mimmo Cuticchio, Martina Codecasa, Filippo Pucillo, Filippo Scarafia, Pierpaolo Spollon, Tiziana Lodato, Claudio Santamaria

Recensione a cura di kowalsky (voto: 6,5)

"Un dramma simbolico, sul conflitto tra turismo e immigrazione, osservato attraverso il prisma delle mutazioni antropologiche" (E. Crialese)

Per essere una dichiarazione d'intenti suona piuttosto pretenziosa, in un film tanto esposto alla semplificazione lirica delle immagini. Esiste, lo sappiamo, un confine discosto tra i diritti umani universali e il bisogno di rivendicare un senso d'appartenenza, con la duplice minaccia dello "straniero" che reclama rifugio e costringe a rivalutare la nostra coscienza.

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Recensione SE MI LASCI TI CANCELLO

2011-10-04T15:41:00.000+02:00

Recensione se mi lasci ti cancello

Regia di Michel Gondry con Jim Carrey, Kate Winslet, Kirsten Dunst, Tom Wilkinson, Elijah Wood, Mark Ruffalo, David Cross

Recensione a cura di Terry Malloy (voto: 9,0)

«Com'è felice il destino dell'incolpevole vestale!
Dimentica del mondo, dal mondo dimenticata.
Infinita letizia della mente candida!
Accettata ogni preghiera e rinunciato a ogni desiderio.»

Il filosofo francese Michel de Montaigne scriveva che l'essere smemorati non è affatto un valore. O meglio, non lo è per chi ha a che fare con chi ne è esempio vivente. Chi dimentica, chi è senza memoria non può vivere con gli altri, da questi anzi viene disprezzato. E la ragione è semplice, basta prendere qualche esempio della vita quotidiana: un caffè con un amico, un appuntamento importante di lavoro, il cinema con una ragazza di cui si è visibilmente interessati, andare a prendere i figli a scuola. Chi non rispetta questi impegni per banale smemoratezza non ha un posto nel mondo, non ha un posto in mezzo agli altri. Ma di chi è colpa? Dello smemorato? Perché siamo letteralmente frustrati dalla debolezza mentale di chi è già abbastanza vessato dal suo male facendogliene una colpa, mortificandolo? E perché allora Alexander Pope nel 1717 scrisse quelle bellissime, quanto controverse parole nella poesia "Eloise to Abelard"?

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Recensione NIENTE DA DICHIARARE?

2011-10-03T15:59:00.000+02:00

Recensione niente da dichiarare?

Regia di Dany Boon con Benoît Poelvoorde, Dany Boon, Julie Bernard, Karin Viard, Bouli Lanners, Olivier Gourmet, Michel Vuillermoz, Christel Pedrinelli, Joachim Ledeganck

Recensione a cura di pompiere (voto: 6,0)

Il primo Gennaio del 1993 furono cancellate le linee di demarcazione dei confini di molti paesi europei, generando il cosiddetto Mercato Comune. L'annuncio, anticipato sette anni prima, previde la chiusura di tutte le dogane, e mise in crisi gli orgogliosi mestieranti di un paesino di confine tra Francia e Belgio: la cittadina di Courquain (in francese), Koorkin (in belga). "Rien à déclarer" esordisce così, socialmente e politicamente in orbita e descrivendo i giorni immediatamente precedenti l'entrata in vigore dei testi legislativi. Esitando su intere attività cessate, locali da vendere e strade deserte.

Una "Terra di Nessuno" che staziona ai confini della realtà, con i doganieri spaesati, tra coloro che continuano imperterriti a far valere le regole daziarie fino alle ultime ore disponibili e altri che improvviserebbero scioperi per bloccare una legge comunque troppo lontana dai loro effettivi poteri. Nel frattempo c'è qualcuno che ha pensato bene di cogliere il momento e tramare col contrabbando di droga alla frontiera. Sulla situazione fa buona sorveglianza il rigido Ruben Vandevoorde (Benoît Poelvoorde), ossessionato oltremodo dai francesi "mangialumache", e il romantico naif Mathias Ducatel (Dany Boon), costretto a una battaglia di oltraggi reciproci con il collega musone.

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Recensione LUTHER

2011-10-03T15:54:00.000+02:00

Recensione luther

Regia di Eric Till con Joseph Fiennes, Sir Peter Ustinov, Alfred Molina, Bruno Ganz, Claire Cox, Jonathan Firth

Recensione a cura di foxycleo (voto: 6,5)

Eric Till è un regista britannico, classe 1929, che ha diviso la propria professione tra televisione e cinema. Per la prima ha diretto numerosi film ed episodi di serie come "True Crime" e "Le strade di San Francisco"; per il cinema nel 2003 gira "Luther", un film storico che ha il merito di far conoscere a un ampio pubblico la vicenda di un personaggio storico di monumentale importanza.

Martin Lutero, nato nel 1483 a Eisleben (Turingia), paese dominato da una fede di stampo ancora medievale, nel 1501 si iscrive alla facoltà di Giurisprudenza di Erfurt, quindi improvvisamente nel 1505 decide di farsi monaco. Come si evince anche dal film, prosegue negli studi e nel 1513 assume l'insegnamento teologico a Wittenberg (Sassonia). Egli inizia a predicare due principi che diventeranno fondamentali della propria dottrina (ispirati dalla "Lettera ai Romani" dell'apostolo Paolo): sola scriptura e sola fide: "un semplice laico armato della Bibbia deve essere creduto più del papa o del concilio che ne siano privi".
Lutero (interpretato da Joseph Fiennes) arrivò ad affermare il sacerdozio universale dei laici per negare, in maniera ferma, il ruolo della Chiesa come ente scisso dalla società degli uomini. Martin Lutero si sposerà con un ex-monaca senza smettere di predicare il proprio pensiero, fatto che Till rileva proprio nella parte finale del film.

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Recensione TOMBOY (2011)

2011-09-30T16:14:00.000+02:00

Recensione tomboy (2011)

Regia di Céline Sciamma con Zoé Héran, Malonn Lévana, Jeanne Disson, Sophie Cattani, Mathieu Demy

Recensione a cura di Stefano Santoli (voto: 8,0)

"Tomboy" è la storia di una bambina quasi adolescente, Laure, che - a quanto ci è dato vedere per via del suo aspetto fisico (il film infatti è felicemente scevro da spiegazioni psicologiche) - si sente maschio e percepisce in modo assolutamente lineare e intimamente serio questa incipiente identità maschile, pur vivendola con la leggerezza di un gioco.

La sua famiglia si è da poco trasferita, sul finire dell'estate, in una nuova città. Laure non conosce quindi nessuno dei suoi nuovi compagni di giochi, che presto saranno suoi compagni di scuola, e ha la possibilità di farsi conoscere da loro come Mickaël. Ma l'inizio dell'anno scolastico incombe, la separazione tra la dimensione domestica e quella sociale dei giochi con i coetanei non potrà durare a lungo. Lo spettatore - in empatia con Laure sin dall'inizio - sa bene quanto sia precaria e costantemente minacciata questa dimensione felice. Ne scaturisce la velata patina "thrilling" che insaporisce il film e veicola più che altro un turbamento, quasi un'ansia - in perfetta assonanza con i sentimenti che leggiamo sul volto di Laure. E' l'adolescenza che bussa alla porta: il dover fare i conti sempre più da vicino con la dimensione adulta e le sue regole. Ma quella di Laure non è ancora, non è per nulla una ribellione: è solo la spontanea, naturale e fragilissima costruzione di un'identità. E il nostro turbamento, la nostra ansia di spettatori, scaturiscono dalla consapevolezza di quanto quel delicato processo sia troppo solitario, troppo minacciato.

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Recensione GUERRA TRA I PIANETI

2011-09-30T16:06:00.000+02:00

Recensione guerra tra i pianeti

Regia di William Lee Wilder con Peter Graves, Barbara Bestar, James Seay, Steve Pendleton, Frank Gerstle, John Merrick

Recensione a cura di Giordano Biagio

1953, lo scienziato Doug Martin è in volo su un aereo militare con l'incarico di registrare, attraverso sofisticate apparecchiature scientifiche, gli effetti di una bomba nucleare sperimentale fatta deflagrare nel Nevada sopra un punto del territorio reso visibile dall'alto con un grosso cerchio.

L'esperimento riesce, ma il pilota dell'aereo dopo aver girato diverse volte intorno alla nube radioattiva per consentire allo scienziato a bordo di rilevare i dati richiesti, si dirige per curiosità verso uno strano specchio che emette dei segnali luminosi, situato a due miglia circa dal centro dell'esperimento. Il pilota appare stupito per quella presenza, in una zona che avrebbe dovuto essere deserta. Preoccupato si avvicina sempre più all'oggetto ma sente improvvisamente che i comandi dell'aereo non rispondono più e subito dopo avverte con sgomento che il velivolo sta precipitando al suolo in picchiata libera.
Si interrompono quindi le comunicazioni radio con il centro di controllo nucleare, che all'ennesimo fallimento del collegamento con il pilota fa scattare l'allarme.

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Recensione UCCELLACCI E UCCELLINI

2011-09-21T15:47:00.000+02:00

Recensione uccellacci e uccellini

Regia di Pier Paolo Pasolini con Totò, Ninetto Davoli, Femi Benussi, Rossana Di Rocco, Renato Capogna, Rosina Moroni, Lena Lin Solaro, Gabriele Baldini, Francesco Leonetti

Recensione a cura di Giordano Biagio (voto: 9,0)

"Il buon corvo dice: "Io non piango sulla fine delle mie idee, perché verrà di sicuro qualcun altro a prendere in mano la mia bandiera e portarla avanti! È su me stesso che piango...".

Tratto dalla sceneggiatura del film

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Recensione QUANDO LA NOTTE

2011-09-16T17:16:00.000+02:00

Recensione quando la notte

Regia di Cristina Comencini con Filippo Timi, Claudia Pandolfi, Thomas Trabacchi, Denis Fasolo, Michela Cescon, Manuela Mandracchia, Franco Trevisi

Recensione a cura di kowalsky (voto: 4,0)

Marina, madre di un vivace bambino di un anno, va a trascorrere con lui, lontana dal marito, un intero mese di vacanza in montagna. Incapace com'è di aderire al ruolo materno, quasi sopraffatta dal peso delle responsabilità e dalla difficoltà di crescere un figlio, cerca nella pace dei monti una soluzione alle sue inquietudini. E per questo affitta l'intero piano di una casa di proprietà di una rude guida alpina, Manfred (Filippo Timi), che odia le donne e non fa niente per nasconderlo, sopraffatto da un trauma infantile (lui e i suoi fratelli sono stati abbandonati dalla madre quand'erano piccoli). Infatti l'uomo cerca di evitare qualsiasi contatto con la sua "ospite", limitandosi ad ascoltarla quando parla al figlio o quando lo sgrida durante le sue notti insonni. Una sera, davanti all'ennesima sfuriata con il piccolo, accade un evento drammatico che improvvisamente avvicina Manfred a Marina. E tutto questo sarà l'inizio di un complesso rapporto di rivelazioni e sospetti che porta due persone dalle affinità lontanissime a odiarsi, ricattarsi e infine a costruire una sorta di complicità affettiva.

"E' un tema un po' tabù, io penso questo, ci sono quasi delle risate d'angoscia, e credo che sia la forza del film"
Cristina Comencini

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Recensione IL PICCOLO NICOLAS E I SUOI GENITORI

2011-09-15T15:11:00.001+02:00

Recensione il piccolo nicolas e i suoi genitori

Regia di Laurent Tirard con Kad Merad, Valérie Lemercier, Sandrine Kiberlain, Maxime Godart, François-Xavier Demaison

Recensione a cura di peucezia

Uscito dalla penna e dalla fantasia di René Goscinny (autore di Asterix insieme a Uderzo), Nicholas è un bambino tra gli otto e i dieci anni (a metà tra il nostro Gianni Stoppani "Gianburrasca" e lo svedese Emil, alter ego maschile di Pippi Calzelunghe), che vive nella Francia degli anni Cinquanta circondato da alcuni amichetti altrettanto vivaci e distinguibili.

Dal successo letterario al grande schermo il passo è breve, anche se si è dovuto attendere il 2009 per questa versione frizzante delle avventure di Nicholas. Tratto da una serie di storie del ragazzino francese "terribile ma non troppo", il film si avvale di interpreti validissimi e noti al grande pubblico come Kad Merad (Giù al nord) nel ruolo del padre e Sandrine Kiberlain (Le donne del sesto piano) in quello della maestra fino al mostro sacro Michel Galabru in un cameo, anche se la vera sorpresa è data dalla recitazione dei piccoli interpreti, attori non professionisti scelti nelle scuole primarie francesi dal protagonista principale, ai comprimari che con naturalezza e padronanza del mezzo scenico contribuiscono alla riuscita del film.

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